Salones del gótico tardío

Florencia entre 1370 y 1430

La primera planta de la Accademia (o la segunda, según su ubicación) está seguramente menos concurrida que la planta baja. Completamente reorganizado en 2013, este nivel está dedicado a una colección de pinturas florentinas de finales del siglo XIV, de 1370 a 1420. Gracias a la nueva iluminación, el ambiente ya no es tibio, sino más bien plácido y encantador, ideal para apreciar las obras maestras del gótico tardío florentino recientemente restauradas.

Vestíbulo

El recorrido por la primera planta comienza con obras de arte que expresan la religiosidad hacia la Florencia de finales del siglo XIV. En el minúsculo vestíbulo se encuentran algunos paneles de Jacopo di Cione y una exquisita Virgen con el Niño con fondo de oro de Don Silvestro de Gherarducci.

De mayor patetismo es "La masacre de los inocentes", del taller de Jacopo di Cione. Esta obra procede del monasterio de San Juan Evangelista de Boldrone, Florencia: tres episodios de la vida temprana de Cristo en un solo panel. El registro superior presenta una "masacre de inocentes" de lo más conmovedora, narrada con mucho detalle a través de los ropajes y las expresiones de las madres, aquí vistas o bien intentando salvar a sus hijos ya muertos, o bien llorándolos, mientras que algunos al menos parecen haber sido puestos en actividades con un pincel conocido también como enteramente para la amabilidad. En el registro inferior, de izquierda a derecha, se encuentra La adoración de los Magos y La huida a Egipto, pintada con mucha vida para que su valor didáctico pueda ser fácilmente apreciado por las masas analfabetas. Los tres magos, las hembras y los soldados están representados con ricas vestimentas, mientras que una pequeña figura del patrón está de pie ante San. Detrás de los magos se puede identificar a una sierva que sostiene un halcón encapuchado, uno de los motivos habituales en las escenas de caza de los nobles florentinos.

La "Virgen de la Humildad" de Silvestro Gherarducci es muy suave. No está entronizada en lo alto de un gran sitial, sino sentada en el suelo sobre unos cojines. El término humildad en latín tiene su origen en la palabra humus, que significa tierra. La Virgen María sostiene suavemente al Niño mirando el pecho de su madre con un gesto. Don Silvestro Gherarducci vivió en el monasterio camaldulense de Santa Maria degli Angeli, en Florencia, y trabajó como pintor de pequeños cuadros. En la delicada túnica y la exquisita cenefa del manto ultramarino abundan los motivos realizados con punzones, un recurso que confiere a la obra un aura de lujo y perfección técnica.

Sala principal

En la sala central, los visitantes pueden contemplar grandes encargos de los gremios florentinos y la riqueza de los retablos producidos a finales del siglo XIV y principios del XV. Las dimensiones socioeconómicas y devocionales de la sociedad florentina se ilustran a través de estos grandes retablos. Evocando la refinada arquitectura gótica, estos vastos retablos están rodeados de pináculos dorados, agujas, pilares y relicarios. Cuando la moda comenzó a ser un signo de distinción, los ropajes de los santos en las obras pintadas también se hicieron más elegantes -incluso principescos- como resultado de un creciente número de figuras apretujadas en composiciones cada vez más recargadas. Algunos de los artistas más importantes expuestos en la sala central son Giovanni del Biondo, Mariotto di Nardo, Spinello Aretino y obras de Lorenzo Monaco.

Lo que se ve al entrar son los dos patronos de las Cofradías: San Juan Evangelista, a la derecha, está representado triunfante sobre las alegorías de la avaricia, el orgullo y la lujuria, siendo el patrón del Gremio de la Seda. Debajo de esta figura se distingue claramente el escudo de armas, en cuyo centro hay una puerta que simboliza el lugar donde el gremio tenía su sede en Via Por Santa Maria y subraya su voto de proteger y mantener en privado los secretos de la producción de la seda, secretos transmitidos de un miembro a otro en el seno de estrechos círculos. Para completar por favor su lado izquierdo se destaca prominentemente panel de San Martín con su emblema una copa representada en la pintura predella hizo San alto vienen enólogos patrón. La esbelta forma vertical se corresponde bien con otros acentos verticales como las pilastras de la iglesia de Orsanmichele, donde los artefactos fueron financiados con dinero del gremio.

Uno de los retablos más intrincados y magníficos lleva la mano de Giovanni del Biondo; presenta la Anunciación rodeada por el Padre Bendiciente, un coro de ángeles y varios santos situados en diferentes pináculos del altar. Se trata de una pieza de gran tamaño que procede del convento de Santa Maria Novella de Florencia, donde adornaba una capilla funeraria dedicada específicamente a la Virgen de la Anunciación. A ambos lados del panel central se representa a un gran número de santos con ricas vestimentas, fácilmente identificables por sus nombres inscritos en la base. Debido al analfabetismo generalizado entre los espectadores y los mecenas, a excepción de unos pocos clérigos, notarios y aristócratas, un lenguaje sencillo era crucial para comunicarse con todos los sujetos representados en un cuadro. Por ello, los pintores se ceñían estrictamente a su repertorio específico de símbolos para indicar el martirio de cada santo (incluidos objetos particulares, gestos, colores), de modo que los atributos representados en los santos eran signos bien reconocidos que los denotaban.

A San Juan Bautista se le identifica con una cruz de pelo de camello, a San Pedro con unas llaves, a María Magdalena con el pelo alborotado y un vestido rojo, a Santa Catalina con una rueda que representa su martirio.

La preciosa Anunciación de Lorenzo Monaco procede del monasterio de la abadía florentina situada frente al Bargello. En un principio, este tríptico estaba destinado al altar de la iglesia parroquial de San Próculo, que ya no existe. De los santos aquí representados, se puede reconocer a Catalina, Antonio Abad, Próculo y Francisco de Asís; en la cúspide aparece Dios Padre. La composición está animada por la graciosa representación de las figuras: El arcángel Gabriel en vuelo contrasta con el gesto ansioso de la Virgen, vestida con ricos ropajes. A la derecha del arcángel (que está adornado con un resplandeciente halo troquelado y llamas divinas en la frente), se alza San Antonio -figura con túnica que le llega a los tobillos- mientras sostiene un bastón bajo un brazo y un libro bajo la otra mano; junto a él hay un pequeño cochinillo salvaje a sus pies. Esto deriva de la tradición de los monjes antonianos que criaban cerdos y utilizaban su grasa como ungüento para los pacientes aquejados de dolorosas llagas urticantes denominadas "herpes zóster" Sólo muy recientemente una meticulosa restauración ha sacado a la luz los vibrantes colores utilizados por Lorenzo Monaco.

Es interesante un notable políptico realizado en 1401 por un grupo de artistas entre los que se encontraban Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini y Lorenzo di Niccolò di Martino. Su obra de la iglesia de Santa Felicita en Florencia es un ejemplo por excelencia de la práctica de la época que veía a los pintores reunirse en asociaciones que eran verdaderas "compañías" o "talleres" El líder probable entre ellos fue Spinello Aretino al inventar el tema de "La Virgen coronada", que es la Reina del Cielo recibiendo su corona del Redentor. Este rico simbolismo se convirtió rápidamente en una metáfora de la gloria triunfante de la Iglesia. A menudo presente en los retablos de las iglesias monásticas femeninas, predica cómo estas monjas también serán recompensadas con la bienaventuranza celestial por su devoción constante que implica oraciones y penitencias. Lo que más llama la atención en este cuadro es la gran variedad de instrumentos musicales colocados a los pies de los ángeles junto a los de las Vírgenes -tambores, gaitas, otros instrumentos de viento-, todos representados con bastante realismo mientras se tocan, ¡en ninguna parte añade algo de vida a la escena!

Al final de la sala, da la bienvenida una magnífica obra maestra textil. La vestidura sagrada, conocida como paliotto, saluda a los espectadores con su antigua gloria como un vasto paño bordado que ahora se exhibe en las paredes; sus hilos dorados y plateados de seda policromada brillaron una vez en el altar mayor de Santa Maria Novella en Florencia. Ejecutada por Jacopo Cambi en 1336, esta obra encarna la altísima estima que el bordado tenía en Florencia: durante el siglo XIV, esta artesanía era muy apreciada mucho más allá de las fronteras de la República florentina. En la pared del fondo cuelga un gran retablo recientemente restaurado. Llama inmediatamente la atención por los vibrantes tonos que recuperan su brillo original en la "Coronación de la Virgen" de Rossello di Jacopo Franchi, rodeada de santos y ángeles del monasterio de Santa Maria delle Campora de Florencia. Los reversos de las tres secciones principales del políptico muestran una decoración de fachada de mármol, lo que revela que el retablo estaba destinado a ser visto por detrás. Las cúspides están adornadas con ángeles serafines en azul y ángeles querubines en rojo.

Gótico internacional

En la escalera final. Dos cruces pintadas de principios del siglo XV la bordean. La última sección del museo contiene la Sala del Gótico Internacional.

La colección es rica en obras maestras de Lorenzo Monaco, destacado pintor florentino activo a finales de los siglos XIV y XV. Fue monje en el monasterio florentino de Santa Maria degli Angeli de la Orden Camaldulense y también un talentoso miniaturista que trabajó principalmente en la iluminación de códices.

En la sala se encuentra también la Virgen con el Niño y los Santos, obra de Gherardo Starnina, que fue uno de los principales representantes del estilo gótico internacional en Florencia. Aunque era florentino de nacimiento, permaneció durante un largo periodo en la corte real de Valencia, en España. Fue durante este tiempo cuando desarrolló un estilo figurativo más vivo e individualista que, a su regreso a Florencia justo después de 1400, ejerció una fuerte influencia en sus contemporáneos, entre ellos Lorenzo Mónaco. Las figuras esbeltas de sus cuadros, muy trabajados, respiran un aire perfumado de fervor religioso: azules nacarados, rosas y violetas pintan formas delicadas, de las que parece emanar una luz de tintes divinos, luminosos dentro de reinos celestiales.

En este espacio se aprecia la evolución de la forma del retablo: desde complejos polípticos tachonados de agujas y remates hasta paneles rectangulares. Entre ellos se encuentra una obra atribuida recientemente al Maestro de Santa Inés, que a pesar de no ser tan famoso en Florencia trabajaba estrechamente bajo la influencia de Agnolo Gaddi y Lorenzo Monaco a principios del siglo XIV. Creada a partir de los talleres sobre alguna Comunidad dentro del partido del Palacio de Florencia, esta obra sería una alegoría de la Virtud-Justicia en concreto. Ivo impartiendo justicia a su derecha como patrón de los pobres, huérfanos y viudas santo que iba por Los pobres que es con limosnas a la izquierda Tejiendo a través de donantes ricos bien vestidos a su derecha. Obsérvense los ricos sombreros y chalecos de brocado de los nobles frente a las pobres ropas o calcetines de los huérfanos. Una canonización de 1366 decidió que San Ivo fuera representado como abogado, subrayando su función como juez eclesiástico así como su compromiso con la protección de los derechos de los desfavorecidos.

Dentro de la sala, tendrá la oportunidad de ver el vídeo tan cautivador descrito anteriormente, que muestra en secuencia, con gran exactitud y siguiendo palabra por palabra las etapas de la técnica de la pintura al temple sobre tabla según el "Libro del Arte" de Cennino Cennini, pintor y miniaturista florentino del siglo XIV. Este vídeo explica cómo se realiza un pequeño modelo de retablo, desde la preparación de la madera y el dorado hasta la pintura final con temple al huevo. El término políptico (del griego Polu- muchos, y ptyche- pliegues) se refiere a una pintura que consta de varios paneles pintados dispuestos juntos en una composición de marco. Cuando una obra se divide en tres secciones, se denomina tríptico. Normalmente, estos cuadros presentaban elementos decorativos como cúspides en la parte superior o pilastras en los laterales y descansaban sobre un "escalón" pintado, la "predela" Los carpinteros unían hábilmente las distintas partes de los retablos antes de pasarlos a los pintores para que los dorasen y los pintasen. Una práctica que se remonta a la Antigüedad sigue muy viva hoy en Florencia gracias a esos encantadores talleres de restauración de arte