Sala Colosso

Los visitantes son recibidos en la Sala del Coloso de la Galleria, un espacio que sufrió una completa remodelación en diciembre de 2013.

Los primeros pasos del visitante en el itinerario expositivo del museo se dan dentro de la Sala del Coloso, una amplia cámara cuya pieza central es el impresionante boceto en terracota de Giambologna de El rapto de las Sabinas. Esta sala contiene también una colección de pinturas florentinas del siglo XV y principios del XVI. Se ha añadido una pequeña sala de nueva creación, accesible desde la Sala del Coloso, con el único fin de mejorar la aproximación a la contemplación de estas obras, que está dedicada únicamente al siglo XV. En este espacio se podrán contemplar obras maestras como la Tebaida de Paolo Uccello y el Cassone Adimari de Scheggia (hermano de Masaccio).

Esta sala recibió su nombre en el siglo XIX, cuando exhibía un molde de escayola de una estatua antigua, concretamente uno de los Dioscuros de Montecavallo (Cástor y Pólux), que ya no se expone en la Galería.

Actualmente, en el centro de la sala se exhibe el modelo en escayola de la magnífica escultura en mármol de Giambologna, "El rapto de las Sabinas", creada hacia 1580.

Giambologna creó este modelo para mostrar su virtuosismo, siendo el primer caso de un trío de figuras estrechamente unidas esculpidas a partir de un único bloque de mármol de gran tamaño, ofreciendo a los observadores varias perspectivas. La pieza de mármol original, terminada en 1582, puede contemplarse bajo la Loggia dei Lanzi, en la Piazza della Signoria.

En la misma pared de la entrada

Alrededor del yeso de Giambologna hay un conjunto de obras de arte religioso de gran valor que datan del siglo XV a principios del XVI. La abundancia de pinturas sobre tabla de pequeño formato que adornan la pared llamará sin duda su atención. Esta única pared presenta obras de artistas de renombre como Paolo Uccello, Perugino, Filippino Lippi, Domenico Ghirlandaio y Botticelli.

A primera vista, el volumen puede resultar abrumador, así que le recomendamos que se tome un momento para sentarse junto al yeso de Giambologna. De este modo, podrá apreciar cómodamente esta rica colección de arte renacentista y buscar dos de las piezas más significativas en la pared antes de continuar su exploración de la Accademia.

En primer plano se encuentra la pieza central: el panel frontal rectangular de una arqueta conocida como el Cassone Adimari.

Este panel pertenece a un cofre nupcial asociado a la familia Adimari e ilustra una celebración nupcial florentina renacentista por excelencia. Muestra calles medievales, monumentos notables (con el Baptisterio situado a la izquierda) y exquisitas prendas de brocado que reflejan las tradiciones y la opulencia de las familias nobles de Florencia durante la década de 1450.

La pared izquierda

A la izquierda del arcón se encuentra la segunda obra maestra, una pequeña tabla atribuida a Botticelli conocida como La Virgen del Mar. Su nombre deriva del tenue paisaje marino que se ve al fondo, mientras que su encanto reside en los detalles dorados y los símbolos que caracterizan a las dos figuras. La granada que sostiene el Niño Jesús simboliza la pasión de Cristo. Además, la estrella, conocida como "Stella Maris", brilla sobre el manto azul oscuro de María, vinculando aún más la obra de arte con el mar. En la Edad Media, se creía que el nombre "María" estaba asociado al mar, ya que la palabra italiana para mar es mare. Así pues, la Stella Maris (estrella del mar) sirve como representación de María, a partir de antiguas interpretaciones del nombre judío "Myriam" (María) y creando una conexión con el océano.

En la actualidad, el ala izquierda de la Sala del Coloso exhibe seis retablos del siglo XV, dispuestos en secuencia cronológica para ilustrar la evolución de la escuela florentina. La colección comienza con un panel cuadrado creado por Andrea di Giusto en 1437 y culmina con el arte maduro del célebre Domenico Ghirlandaio al final de la serie.

En el centro de la composición se encuentra la significativa obra Trinidad de Alesso Baldovinetti, creada en 1470 y destinada originalmente a la iglesia de Santa Trinita de Florencia. Detrás de una tela elegantemente drapeada y adornada con perlas, se despliega el misterio de la Trinidad: Dios Padre, Cristo y el Espíritu Santo, sostenidos por ángeles. Cristo está representado en la cruz, sostenido por Dios Padre, mientras que una paloma blanca situada entre sus cabezas representa al Espíritu Santo. Alrededor de estas tres figuras hay un vibrante conjunto de ángeles querubines, todos enmarcados en una forma de almendra. Bajo la cruz hay una calavera, símbolo religioso común que representa la redención humana. A través del sacrificio de Cristo, su sangre llega al cráneo de Adán, simbolizando la oportunidad de que todos sus descendientes sean liberados del pecado original.

A la derecha de la Trinidad, el célebre Retablo de Trebbio de Botticelli representa una Santa Conversación. La Virgen María y el Niño están magníficamente ilustrados dentro de un gran espacio, acompañados por seis santos de diversas épocas. Este panel procede de la Villa Medici de Trebbio y probablemente fue encargado por Lorenzo di Pierfrancesco Medici. El mecenazgo de la familia Médicis queda patente en la inclusión de sus santos protectores, San Cosme y San Damián, ataviados con largas y elegantes vestiduras de color púrpura.

En el extremo de esta pared izquierda, se encuentra la digna obra de Domenico Ghirlandaio que representa a San Esteban, flanqueado por Santiago y San Pedro (1493). La grandeza de las tres figuras escultóricas, que se elevan dramáticamente desde los nichos monumentales pintados del fondo, muestra claramente el toque del gran Maestro. Cuando Miguel Ángel sólo tenía 14 años, Ghirlandaio le invitó a su taller durante un breve periodo. Esta conexión resultó esencial para Miguel Ángel a lo largo de su trayectoria artística, influyendo en sus pinturas sobre tabla y en sus frescos, especialmente durante los años que dedicó a la Capilla Sixtina (1504-08).

La pared derecha

Esta sala de nuevo diseño ofrece a los visitantes la oportunidad de apreciar tres amplios retablos dispuestos elegantemente en torno al modelo de escayola de Giambologna. Desde diciembre de 2013, el lado derecho de este espacio presenta el magnífico panel de Perugino que ilustra la Asunción de la Virgen (1500), acompañado por la Resurrección de Raffaellino del Garbo y la Deposición de Filippino Lippi (1504-08).

La tabla central, que figura entre las piezas más notables de Pietro Perugino, fue encargada en 1500 por los monjes de la abadía de Vallombrosa para el altar mayor de la iglesia. En el nivel inferior está claramente marcada la firma "PETRVS PERVGINVS PINXIT A.D. MCCCCC" El tema principal representa la Asunción de la Virgen María, rodeada por una celebración de ángeles que cantan y tocan diversos instrumentos, como arpas, violines y guitarras, todo ello enmarcado por suaves y coloridas cortinas. Debajo de esta representación principal, Perugino retrató a cuatro santos relacionados con la devoción de los monjes camaldulenses. En particular, en el extremo derecho, se puede ver al elegante San Miguel Arcángel, adornado con una opulenta y reluciente armadura. Al examinar de cerca el panel desde abajo, se aprecian los contornos de las largas vigas de madera que sostienen el gran panel de madera. El cuadro se enmarcó dentro de una intrincada estructura que incluía una predela y dos retratos de los monjes de Vallombrosa, con el montaje final terminado en diciembre de 2013.

A la izquierda de la Asunción, el suave encanto de las cintas rosas de la Deposición de Filippino captará su atención. Este panel, iniciado por Filippino Lippi en 1504 y terminado por Perugino tras el fallecimiento de Lippi, se expuso originalmente en la iglesia de la Santissima Annunziata de Florencia. Perugino se encargó de terminar toda la parte inferior del cuadro en 1507. Las diferencias estilísticas entre los dos niveles crean una clara sensación de separación. La parte superior muestra la exploración característica de Filippino del movimiento, con numerosas figuras en precario equilibrio alrededor de la cruz, acompañadas por inconfundibles cintas ondeantes.

De no haber sido por el cierre temporal y posterior traslado de las obras, esto no habría permitido una revisión en profundidad del entorno y la documentación sobre el estado de conservación de las piezas. El museo también aprovechó ese periodo para planificar tareas específicas de mantenimiento y restauración orientadas a la conservación en caso necesario. De hecho, éstas tuvieron que ser llevadas a cabo por restauradores expertos que trabajaron bajo un plan de acción de mantenimiento elaborado y coordinado por Eleonora Pucci, restauradora directora de la Galería de la Accademia. Tres obras tuvieron que permanecer debido a su tamaño y fragilidad: el grupo escultórico del Rapto de las Sabinas, el gran retablo de la Asunción de la Virgen de Pietro Perugino y la Disputa de los Padres de la Iglesia sobre la Inmaculada Concepción de Giovanni Antonio Sogliani. Todas las demás obras se aseguraron y trasladaron a zonas donde se celebran exposiciones temporales, pero de forma que la gente pudiera seguir viéndolas. Así, a pesar del cierre, no se impidió el acceso a las obras.

Además de las intervenciones de desempolvado, algunos de los paneles valiosos, destacados por su frágil estado de conservación y sus pequeñas dimensiones, se protegieron con un vidrio expositor imperceptible a la vista. Este cristal mantiene eficazmente alejados de la obra de arte los agentes climáticos externos, con lo que se evita que se produzcan alteraciones en la superficie pictórica y daños en el soporte. Entre las obras en restauración, llaman explícitamente la atención la Resurrección de Cristo de Raffaellino del Garbo con un gran marco de madera, que ha vuelto recientemente a manos del museo y el temple su tavola di Giovan Francesco da Rimini raffigurante San Vincenzo Ferrer

Los marcos dorados también se tuvieron muy en cuenta, y tres en particular se sometieron a restauración tras la debida evaluación de su estado de conservación y los problemas relacionados. Se trata del marco de la Virgen del Mar de Sandro Botticelli, el marco redondo de la Virgen y el Niño con San José y San Juan de Franciabigio y el que completa la Adoración del Niño con dos ángeles y San José de Lorenzo di Credi. Las medidas de restauración llevadas a cabo específicamente para las necesidades de conservación incluyeron la limpieza para conseguir un aspecto uniforme de la superficie, la consolidación tanto de la película dorada como de los elementos calcográficos, pequeñas reparaciones de yeso y la integración de pan de oro donde se requería técnicas relacionadas con el dorado original de la manera más factible según las directrices de gestión del Museo.

En el trabajo estructural dirigido por la arquitecta Claudia Gerola, el proyecto comenzó con la restauración y el refuerzo de las cerchas de madera de la sala. Durante esta fase, se modificaron y sustituyeron los sistemas existentes, en particular los sistemas especializados de detección de incendios, eléctricos y mecánicos, así como la unidad de tratamiento del aire (UTA). También se eliminaron las acumulaciones de agua que anteriormente habían provocado notables filtraciones al vestíbulo inferior, y se retiraron dos capas de revoque móvil de la bóveda. Tras finalizar las tareas tecnológicas y arquitectónicas, se realizaron trabajos de revisión del sistema eléctrico y de los sistemas de emergencia que precedieron al establecimiento de una nueva distribución. Se aplicaron paneles revestidos de tela a las paredes y se pintaron posteriormente, y la disposición de las obras siguió un nuevo diseño supervisado por el Director Hollberg. El nuevo sistema de iluminación se instaló en los muros perimetrales y en la sección central de la bóveda. Al igual que en el resto del museo, se utilizó tecnología LED ultramoderna para mejorar la visibilidad de las obras y, al mismo tiempo, garantizar el ahorro de energía.