Salles du gothique tardif

Florence entre 1370 et 1430

Le premier étage de l'Accademia (ou le deuxième, selon l'endroit où l'on se trouve) est assurément moins fréquenté que le rez-de-chaussée. Entièrement réorganisé en 2013, ce niveau est consacré à une collection de peintures florentines de la fin du XIVe siècle, de 1370 à 1420. Grâce à un nouvel éclairage, l'atmosphère n'est plus tiède mais plutôt placide et charmante, ce qui permet d'apprécier les chefs-d'œuvre florentins du gothique tardif récemment restitués après restauration.

Vestibule

Le voyage au premier étage commence par des œuvres d'art qui expriment la religiosité de la Florence de la fin du XIVe siècle. Dans le minuscule vestibule se trouvaient des panneaux de Jacopo di Cione et une exquise Vierge à l'Enfant sur fond d'or de Don Silvestro de Gherarducci.

Le "Massacre des Innocents" de l'atelier de Jacopo di Cione est d'un grand pathos. Cette œuvre provient du monastère de Saint-Jean l'Évangéliste de Boldrone, à Florence : trois épisodes de la vie du Christ sur un seul panneau. Le registre supérieur présente un "massacre d'innocents" très touchant, raconté avec beaucoup de détails à travers les vêtements et les expressions des mères, que l'on voit ici essayer de sauver leurs enfants déjà morts ou les pleurer, tandis que certains semblent avoir été mis en activité à l'aide d'un pinceau connu aussi pour sa gentillesse. Dans le registre inférieur, de gauche à droite, se trouve L'adoration des mages et la fuite en Égypte, peinte avec beaucoup de vie afin que sa valeur didactique puisse être facilement appréciée par les masses analphabètes. Les trois mages, les femmes et les soldats sont représentés dans de riches vêtements, tandis qu'une petite figure patronnesse se tient devant St. Derrière les mages, on peut identifier une servante qui tient un faucon trompé, l'un des motifs courants des scènes de chasse des nobles florentins.

La Madone de l'humilité de Silvestro Gherarducci est très douce. Elle ne trône pas sur un grand siège, mais est assise à même le sol sur des coussins. Le terme latin d'humilité trouve ses racines dans le mot humus, qui signifie terre. La Vierge Marie tient l'Enfant avec douceur en regardant la poitrine de sa mère dans un geste. Don Silvestro Gherarducci a vécu au monastère camaldule de Santa Maria degli Angeli à Florence et a travaillé comme peintre de petits tableaux. Les poinçons abondent dans la délicate robe et l'exquise bordure du manteau outremer, un dispositif qui se lit avec préciosité et qui confère à l'œuvre une aura de luxe et de perfection technique.

Salle principale

Dans la salle centrale, les visiteurs peuvent voir les grandes commandes des guildes florentines et la richesse des retables produits à la fin du XIVe et au début du XVe siècle. Les dimensions socio-économiques et dévotionnelles de la société florentine sont illustrées par ces grands retables. Évoquant l'architecture gothique raffinée, ces vastes retables sont entourés de pinacles, de flèches, de piliers et de sanctuaires dorés. Lorsque la mode devient un signe de distinction, les vêtements des saints dans les œuvres peintes deviennent également plus élégants, voire princiers, en raison d'un nombre croissant de personnages serrés dans des compositions devenues plus encombrées. Parmi les artistes les plus importants exposés dans la salle centrale, citons Giovanni del Biondo, Mariotto di Nardo, Spinello Aretino et des œuvres de Lorenzo Monaco.

Les deux patrons des guildes sont ceux que l'on voit en entrant : Saint Jean l'Évangéliste, à droite, est représenté triomphant des allégories de la cupidité, de l'orgueil et de la luxure, ce qui en fait le saint patron de la guilde de la soie. Sous cette figure, on distingue clairement les armoiries, au centre desquelles se trouve une porte qui symbolise le siège de la guilde sur la Via Por Santa Maria et souligne le vœu de protéger et de garder privés les secrets relatifs à la production de la soie, secrets transmis d'un membre à l'autre au sein de cercles étroits. Pour compléter votre côté gauche, le panneau de Saint Martin avec son emblème, une coupe représentée dans la peinture de la prédelle, fait de Saint Martin le patron des vignerons. La forme verticale élancée correspond bien à d'autres accents verticaux comme les pilastres de l'église Orsanmichele où les artefacts ont été financés par l'argent de la guilde.

L'un des retables les plus complexes et les plus magnifiques est l'œuvre de Giovanni del Biondo. Il représente l'Annonciation entourée du Père bénissant, d'un chœur d'anges et de divers saints situés à différents sommets de l'autel. Il s'agit d'une pièce de très grandes dimensions qui provient du couvent de Santa Maria Novella à Florence, où elle ornait une chapelle funéraire spécifiquement dédiée à la Vierge de l'Annonciation. De part et d'autre du panneau central, un grand nombre de saints en riches vêtements, facilement identifiables grâce à leur nom inscrit à la base, ont été représentés. En raison de l'analphabétisme généralisé des spectateurs et des mécènes, à l'exception de quelques ecclésiastiques, notaires et aristocrates, un langage simple était essentiel pour communiquer avec tous les sujets représentés dans une peinture. Les peintres se sont donc strictement tenus à leur répertoire spécifique de symboles pour indiquer le martyre de chaque saint (y compris des objets, des gestes et des couleurs particuliers), de sorte que les attributs représentés sur les saints étaient des signes bien reconnus les désignant.

Saint Jean-Baptiste est identifié par un poil de chameau et une croix, Saint Pierre par des clés, Marie-Madeleine par des cheveux flottants et un vêtement rouge, Sainte Catherine par une roue représentant son martyre.

La belle Annonciation de Lorenzo Monaco provient du monastère de l'abbaye florentine situé en face du Bargello. À l'origine, ce triptyque était destiné à l'autel de l'église paroissiale de Saint Proculus, aujourd'hui disparue. Parmi les saints représentés ici, on peut reconnaître Catherine, Antoine Abbé, Proculus et François d'Assise, Dieu le Père apparaissant dans la cuspide. La composition est animée par la représentation de figures gracieuses : L'archange Gabriel en vol contraste avec le geste anxieux de la Vierge vêtue des plus riches draperies. À la droite de l'archange (qui est orné d'une auréole chatoyante et de flammes divines sur le front), se tient saint Antoine, dont la robe lui arrive aux chevilles et qui tient un bâton sous un bras et un livre dans l'autre main ; un petit porcelet sauvage le rejoint à ses pieds. Cette représentation est issue de la tradition des moines antoniens qui élevaient des porcs et utilisaient leur graisse comme onguent pour soigner les patients souffrant de douloureuses plaies urticantes appelées "zona" Ce n'est que très récemment qu'une restauration méticuleuse a permis de faire ressortir les couleurs vives utilisées par Lorenzo Monaco.

Un polyptyque remarquable réalisé en 1401 par un groupe d'artistes comprenant Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini et Lorenzo di Niccolò di Martino est intéressant. Leur œuvre de l'église Santa Felicita de Florence est un exemple par excellence de la pratique de l'époque qui voyait les peintres s'associer dans des sociétés qui étaient de véritables "compagnies" ou "ateliers" Le chef de file probable parmi eux était Spinello Aretino, qui a concocté le sujet de la "Vierge couronnée", qui est la Reine du Ciel recevant sa couronne du Rédempteur. Ce riche symbolisme est rapidement devenu une métaphore de la gloire triomphante de l'Église. Souvent présent dans les retables des églises monastiques féminines, il prêche pour que ces religieuses soient elles aussi récompensées par la félicité céleste pour leur dévotion constante, faite de prières et de pénitences. Ce qui attire le plus l'attention dans cette peinture, c'est la grande variété d'instruments de musique placés aux pieds des anges à côté de ceux des vierges - tambours, cornemuses, autres instruments à vent - tous représentés de manière très réaliste en train d'être joués, ce qui ajoute un peu de vie à la scène !

Au fond de la salle, un magnifique chef-d'œuvre textile accueille les visiteurs. Le vêtement sacré, appelé paliotto, accueille les spectateurs avec son ancienne gloire, celle d'une vaste étoffe brodée aujourd'hui exposée sur les murs - ses fils d'or et d'argent en soie polychrome ayant autrefois chatoyé sur le maître-autel de Santa Maria Novella à Florence. Exécutée par Jacopo Cambi en 1336, cette œuvre témoigne de la très haute considération dont jouissait la broderie à Florence : au XIVe siècle, cet artisanat était estimé bien au-delà des frontières de la République florentine. Sur le mur du fond est accroché un grand retable récemment restauré. L'attention est immédiatement attirée par les teintes vives qui ont retrouvé leur éclat d'origine dans le "Couronnement de la Vierge" de Rossello di Jacopo Franchi, entouré de saints et d'anges provenant du monastère de Santa Maria delle Campora à Florence. Le dos des trois parties principales du polyptyque présente une décoration de façade en marbre, révélant que le retable était destiné à être vu de l'arrière. Les cuspides sont ornées d'anges séraphins en bleu et d'anges chérubins en rouge.

Gothique international

Au dernier escalier. Deux croix peintes du début du XVe siècle le bordent. La dernière section du musée contient la salle du gothique international.

La collection est riche en chefs-d'œuvre de Lorenzo Monaco, l'éminent peintre florentin actif au tournant des XIVe et XVe siècles. Moine au monastère florentin de Santa Maria degli Angeli de l'ordre des Camaldules, il était également un miniaturiste de talent qui travaillait principalement à l'enluminure de codex.

Dans la salle se trouve également la Vierge à l'enfant avec des saints, de Gherardo Starnina, qui fut l'un des principaux représentants du style gothique international à Florence. Bien que Florentin de naissance, il séjourna longtemps à la cour royale de Valence en Espagne. C'est à cette époque qu'il développe un style figuratif plus vivant et individualiste qui, à son retour à Florence juste après 1400, exerce une forte influence sur ses contemporains, dont Lorenzo Monaco. Les figures élancées de ses tableaux très travaillés respirent un air parfumé de ferveur religieuse : des bleus nacrés, des roses et des violets peignent des formes délicates, d'où semble émaner une lumière aux teintes divines qui s'inscrivent dans les royaumes célestes.

Dans cet espace, on peut observer l'évolution de la forme des retables : des polyptyques complexes hérissés de flèches et de fleurons aux panneaux rectangulaires. Parmi ceux-ci, une œuvre récemment attribuée au Maître de Sainte Agnès, qui, bien que moins célèbre à Florence, travaillait étroitement sous l'influence d'Agnolo Gaddi et de Lorenzo Monaco au début du quatorzième siècle. Réalisée à partir des ateliers d'une certaine Communauté au sein du Palazzo party de Florence, cette œuvre serait une allégorie de la Vertu-Justice en particulier. Ivo rend la justice à sa droite en tant que saint patron des pauvres, des orphelins et des veuves qui se promène Les pauvres qu'il est avec des aumônes à gauche Se faufilant parmi les riches donateurs bien habillés à sa droite. Observez les riches chapeaux et gilets de brocart des nobles et les pauvres vêtements ou chaussettes des orphelins. Lors de la canonisation de 1366, il a été décidé que saint Ives serait représenté en tant qu'avocat, ce qui souligne sa fonction de juge ecclésiastique ainsi que son engagement à protéger les droits des plus démunis.

Dans la salle, vous aurez l'occasion de visionner la très captivante vidéo décrite ci-dessus, qui montre en séquence, avec une grande précision et en suivant mot pour mot les étapes des techniques de peinture sur panneau à la détrempe selon le "Livre de l'art" de Cennino Cennini à la fin du 14ème siècle, peintre et miniaturiste florentin. Cette vidéo explique la réalisation d'un petit modèle de retable, depuis la préparation du bois et la dorure jusqu'à la peinture finale à la détrempe à l'œuf. Le terme polyptyque (du grec Polu- beaucoup, et ptyche- plis) désigne un tableau composé de plusieurs panneaux peints disposés ensemble dans une composition de cadre. Lorsqu'une œuvre est divisée en trois parties, on parle de triptyque. D'ordinaire, ces tableaux présentaient des éléments décoratifs tels que des cuspides au sommet ou des pilastres sur les côtés et reposaient sur une "marche" peinte, la "prédelle" Les menuisiers assemblaient habilement les différentes parties des retables avant de les confier aux peintres pour qu'ils les dorent et les peignent. Une pratique qui remonte à l'Antiquité et qui est encore bien vivante à Florence aujourd'hui grâce à ces charmants ateliers de restauration d'œuvres d'art !