Sala de Prisioneros

En el siglo XIX, se utilizó como galería de exposición de obras antiguas procedentes de diversas colecciones y terminó en la Tribuna, donde las esculturas de Miguel Ángel pudieron encontrar acomodo, dando lugar a un recorrido unificado que termina en el centro de la Tribuna, donde el David está colocado bajo una cúpula que adopta la forma de un halo.

El nombre de la Sala procede de estas cuatro llamativas esculturas de desnudos masculinos, a menudo denominadas los Esclavos, los Prisioneros o los Cautivos. Las obras fueron iniciadas por el propio Miguel Ángel para un inmenso proyecto de tumba para el papa Julio II della Rovere. El encargo original data de 1505, antes de que se le asignara la Capilla Sixtina en 1508; se pretendía que fuera la tumba más grandiosa de la historia cristiana, con más de 40 figuras. En realidad, los cuatro Prisioneros estaban destinados a las pilastras del nivel inferior de una enorme tumba exenta diseñada para el centro de la antigua Basílica de San Pedro de Roma. Miguel Ángel dedicó meses a este trabajo específico para encontrar mármol de alta calidad entre las canteras de Carrara, escogiendo personalmente cada bloque que consideraba adecuado y marcándolo con tres círculos. Sin embargo, en 1506 dejó de trabajar en él porque el Papa Julio carecía cada vez más de fondos suficientes para completar el pago de esta gran obra, lo que también le desvió de otros proyectos, como la reconstrucción de Roma

Tras la muerte del Papa en 1513, el primer diseño se redujo a proporciones menos grandiosas, con nuevos ajustes en 1521 y de nuevo en 1534, cuando se decidió excluir a los Prisioneros del proyecto y enviarlos de vuelta a Florencia. Después de casi 40 largos y tormentosos años, la "tragedia del sepulcro" llegó a su fin. Fue durante este tiempo cuando Miguel Ángel creó algunas de sus esculturas más famosas para la tumba de Julio II, entre ellas el Moisés (hacia 1515) y ahora muy reducido monumento funerario, que hoy se encuentra en una poco conocida iglesia de San Pedro en Roma-San Pietro in Vincoli. Miguel Ángel tenía en mente una tumba en la que la cámara estuviera pintada con figuras del Antiguo y del Nuevo Testamento, junto con representaciones alegóricas de las Artes y las Virtudes prevaleciendo sobre los Vicios. Según él, sus "Prisioneros" representaban el alma atada a la carne, esclavizada por las debilidades humanas.

A la muerte del artista, se encontraron cuatro de los Prisioneros en su taller, y su sobrino se los regaló al duque Cosme I de Médicis junto con la Victoria que ahora se encuentra en el Palazzo Vecchio. La gruta fue flanqueada en 1586 por Bernardo Buontalenti con esculturas en las esquinas de Boboli expansiva Anunciación Gruta conjunto enorme actor Jardines), Palazzo Pitti como (fondo situado Vincenzo humano-como En las paredes son artificiales estalactitas y estalagmitas Resto muestra adornando piedras y esponjas concha de mar disposición antes de la figura hecha por el hombre fósiles prisión donde echoezon componentes gruta humana eran partes del diseño de Miguel Ángel. Los Esclavos permaneció en hasta 1908 cuando fue trasladado a la Galleria dell'Accademia.

Cuatro estatuas en particular, conocidas por los estudiosos como "El esclavo que despierta", "El joven esclavo", "El esclavo barbudo" y "El atlas (o atado)", gozan de gran reputación debido a su estado incompleto. Son típicas de la técnica de trabajo de Miguel Ángel llamada no finito y, al mismo tiempo, ejemplos asombrosos de transmitir la idea de las dificultades que acosan a un artista al extraer una figura de un bloque de mármol, así como la aspiración de la humanidad a liberar un espíritu de las limitaciones físicas.

Se han hecho muchas lecturas diferentes de estas estatuas. Uno siente, en las diferentes etapas de su realización, la fuerza con la que las ideas creativas luchan por liberarse del peso material y del confinamiento que las rodea. Es posible que el artista las dejara incompletas deliberadamente para dar expresión a esta condición universal por la que los individuos luchan por liberarse de sus limitaciones materiales.

Al contemplar los Prisioneros desde varios ángulos, se pone de manifiesto la profunda sensibilidad y comprensión de Miguel Ángel por la anatomía. Aunque las cabezas y los rostros se encuentran entre las partes menos acabadas de estos bustos, contribuyen muy bien a su significado básico a través de su postura -clásicamente en contrapposto-. Los esclavos apoyan la mayor parte de su peso sobre un pie, de modo que los hombros se inclinan contra las caderas y las piernas, lo que provoca un marcado desacuerdo entre un lado del cuerpo y el otro. De este modo, estas figuras cuidadosamente desequilibradas adquieren hábilmente movimiento y emoción; además, adquieren una presencia más dinámica y dominante como Prisioneros gracias a este tratamiento del artista.

Las esculturas inacabadas de Miguel Ángel en la Accademia son un buen ejemplo que aclara su filosofía y su técnica de esculpir. Según él, el escultor no era más que un instrumento de Dios. Por lo tanto, su papel no consistía en crear, sino en descubrir las poderosas formas dentro del mármol. Lo que Miguel Ángel debía cortar era el material que rodeaba a la figura. Su trabajo consistía simplemente en cortar la roca alrededor de esas formas para que salieran a la luz correctamente.

Vasari escribe que nunca se quitaba las botas durante varios días seguidos, y que utilizaba la misma ropa mientras trabajaba en orden no sólo de eficacia, sino también de habilidad y experiencia, ya que si uno sabe de lo que va es bastante fácil mantener el mármol blanco limpio y libre de polvo (e impracticablemente frío en invierno).

De hecho, las fases preliminares son distinguibles porque los restos dejados por el mazo y el cincel puntiagudo se muestran claramente en las superficies de mármol de este periodo, cuando la forma comenzó a emerger; Miguel Ángel comenzó de atrás hacia delante mientras trabajaba libremente en las figuras, a diferencia de otros escultores que dibujaban contornos en sus bloques después de hacer modelos de yeso. Miguel Ángel no se manejaba con modelos de escayola (ni siquiera con dibujos sobre papel), sino que empezaba directamente con el mármol en bruto -concebido libremente en tres dimensiones de una sola vez-, atacando las masas con más fuerza antes de entrar en los detalles para completarlas, adquiriendo siempre progresivamente tanto la anatomía como la forma en general, de modo que cada parte revelara que la mano de obra se ejecutaba con frescura hasta el último toque puesto con seguridad.

Como describió Vasari en su "Vida de los artistas", estas figuras parecían levantarse del mármol "como si una forma subiera a la superficie del agua" Su método consistía en introducir una figura de cera en un recipiente con agua y luego exponerla gradualmente, para poder discernir las partes que sobresalían más. Trabajaba del mismo modo, extrayendo él mismo primero las partes de mayor relieve.

En 1503, Miguel Ángel recibió el encargo de realizar estatuas de los doce Apóstoles para la catedral de Florencia. Sin embargo, sólo empezó a trabajar en una obra, San Mateo. Fue llamado a Roma por Julio II poco después de empezar a trabajar en ella, por lo que se convirtió en su primera escultura inacabada.

Tras la anulación del contrato para las estatuas de los doce Apóstoles, el 18 de diciembre de 1505, Miguel Ángel reanudó con toda probabilidad su trabajo en San Mateo al año siguiente. Varias referencias en cartas de la época y un rasgo estilístico típico de esta fase nos permiten formular tal hipótesis: la torsión de la cabeza del santo en contraste con la posición del pecho, que parece inspirada en el grupo helenístico Laocoonte y sus hijos (desenterrado en 1506) que Miguel Ángel llegó a apreciar durante ese mismo año.

La inscripción de la base nos indica que fue en 1831 cuando la estatua fue trasladada del patio de la Ópera del Duomo de Florencia a su emplazamiento frente al Atrio de la Accademia di Belle Arti. Más tarde, en 1909, se trasladaría junto a este edificio de galerías, al igual que los Prisioneros en ese mismo año.