Sale tardogotiche

Firenze tra il 1370 e il 1430

Il primo piano dell'Accademia (o il secondo, a seconda della posizione) è sicuramente meno affollato del piano terra. Completamente riorganizzato nel 2013, questo livello è dedicato a una collezione di dipinti fiorentini della fine del XIV secolo, dal 1370 al 1420. Grazie alla nuova illuminazione, l'atmosfera non è più tiepida, ma piuttosto placida e suggestiva: l'ideale per apprezzare i capolavori del tardo gotico fiorentino recentemente restituiti dopo il restauro.

Vestibolo

Il percorso al primo piano inizia con opere d'arte che esprimono la religiosità della Firenze di fine Trecento. Nel minuscolo vestibolo si trovavano alcune tavole di Jacopo di Cione e una squisita Madonna con Bambino e sfondo oro di Don Silvestro di Gherarducci.

Di grande pathos è la "Strage degli innocenti" della bottega di Jacopo di Cione. L'opera proviene dal monastero di San Giovanni Evangelista Boldrone, a Firenze: tre episodi della prima vita di Cristo su un'unica tavola. Il registro superiore presenta una toccante "strage degli innocenti", raccontata con dovizia di particolari attraverso le vesti e le espressioni delle madri, che qui si vedono sia nel tentativo di salvare i loro figli già morti sia nel pianto, mentre alcuni sembrano almeno essere stati messi in attività con un pennello noto anche per la sua simpatia. Nel registro inferiore, da sinistra a destra, si trova L'adorazione dei Magi e la fuga in Egitto, dipinta con molta vivacità affinché il suo valore didattico possa essere facilmente apprezzato dalle masse analfabete. I tre magi, le donne e i soldati sono raffigurati in abiti ricchi, mentre una piccola figura di patrono si trova davanti a San Giovanni. Dietro i magi è identificabile un'ancella che tiene in mano un falco incappucciato, uno dei motivi comuni che si trovano nelle scene di caccia dei nobili fiorentini.

La "Madonna dell'Umiltà" di Silvestro Gherarducci è molto delicata. Non è in trono su un grande seggio, ma seduta a terra su alcuni cuscini. Il termine latino umiltà affonda le sue radici nella parola humus, che significa terra. La Vergine Maria tiene dolcemente il Bambino che guarda il seno della madre con un gesto. Don Silvestro Gherarducci visse nel monastero camaldolese di Santa Maria degli Angeli a Firenze e lavorò come pittore di piccoli quadri. Gli schiocchi prodotti con i punzoni abbondano nella delicata veste e nella squisita bordura del manto color oltremare, un accorgimento che recita preziosità e che conferisce all'opera un'aura di lusso e perfezione tecnica.

Sala principale

Nella sala centrale, gli ospiti possono ammirare le grandi commissioni delle corporazioni fiorentine e la ricchezza delle pale d'altare prodotte alla fine del XIV e all'inizio del XV secolo. Le dimensioni socio-economiche e devozionali della società fiorentina sono illustrate attraverso queste grandi pale d'altare. Evocando la raffinata architettura gotica, queste vaste pale d'altare sono circondate da pinnacoli dorati, guglie, pilastri e santuari. Quando la moda cominciò a essere un segno di distinzione, anche gli abiti dei santi nelle opere dipinte divennero più eleganti - persino principeschi - come risultato di un numero crescente di figure schiacciate in composizioni divenute più affollate. Tra gli artisti più importanti esposti nel salone centrale figurano Giovanni del Biondo, Mariotto di Nardo, Spinello Aretino e opere di Lorenzo Monaco.

Entrando si vedono i due patroni delle Corporazioni: San Giovanni Evangelista, sulla destra, è raffigurato in trionfo sulle allegorie dell'avidità, dell'orgoglio e della lussuria, ed è il patrono della Corporazione della Seta. Al di sotto di questa figura è ben visibile lo stemma, al centro del quale si trova una porta che simboleggia il luogo in cui la corporazione aveva sede in via Por Santa Maria e sottolinea il voto di proteggere e mantenere riservati i segreti della produzione della seta, segreti che si tramandano da un membro all'altro in un circolo ristretto. Per completare l'opera alla vostra sinistra spicca il pannello di San Martino con il suo emblema, una coppa raffigurata nella predella del dipinto che fa del Santo alto il patrono dei vignaioli. La forma slanciata e verticale corrisponde bene ad altri accenti verticali come le lesene della chiesa di Orsanmichele, dove i manufatti sono stati finanziati dal denaro delle corporazioni.

Una delle pale d'altare più intricate e magnifiche è opera di Giovanni del Biondo; presenta l'Annunciazione circondata dal Padre benedicente, da un coro di angeli e da vari santi situati su diversi pinnacoli dell'altare. Si tratta di un pezzo molto grande che proviene dal convento di Santa Maria Novella a Firenze, dove ornava una cappella sepolcrale specificamente dedicata alla Vergine dell'Annunciazione. Ai lati del pannello centrale sono stati raffigurati numerosi santi in abiti ricchi, facilmente identificabili grazie ai loro nomi incisi alla base. A causa dell'analfabetismo diffuso tra gli spettatori e i committenti, ad eccezione di pochi ecclesiastici, notai e aristocratici, un linguaggio semplice era fondamentale per comunicare a tutti i soggetti raffigurati in un dipinto. I pittori si attenevano quindi rigorosamente al loro specifico repertorio di simboli per indicare il martirio di ogni santo (compresi particolari oggetti, gesti, colori), in modo che gli attributi rappresentati sui santi fossero segni ben riconoscibili che li denotavano.

San Giovanni Battista è identificato da un pelo di cammello e da una croce, San Pietro con le chiavi, Maria Maddalena con i capelli fluenti e la veste rossa, Santa Caterina con una ruota che rappresenta il suo martirio.

La bella Annunciazione di Lorenzo Monaco proviene dal monastero della Badia fiorentina di fronte al Bargello. Inizialmente questo trittico era destinato all'altare della pieve di San Proculo, che oggi non esiste più. Tra i santi raffigurati si possono riconoscere Caterina, Antonio Abate, Proculo e Francesco d'Assisi, mentre Dio Padre appare nella cuspide. La composizione è animata da una graziosa rappresentazione di figure: L'arcangelo Gabriele in volo si contrappone al gesto ansioso della Vergine vestita dei più ricchi panneggi. Alla destra dell'arcangelo (che è ornato da una scintillante aureola punzonata e da fiamme divine sulla fronte), sta Sant'Antonio - la cui veste arriva alle caviglie - mentre tiene il bastone sotto un braccio e il libro con l'altra mano; ai suoi piedi c'è un piccolo maialino selvatico. Questo deriva dalla tradizione dei monaci antoniani che allevavano maiali e usavano il loro grasso come unguento per i pazienti afflitti da dolorose piaghe pungenti chiamate "herpes zoster" Solo di recente un meticoloso restauro ha fatto emergere i colori vivaci utilizzati da Lorenzo Monaco.

Interessante è il polittico realizzato nel 1401 da un gruppo di artisti tra cui Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini e Lorenzo di Niccolò di Martino. La loro opera, proveniente dalla chiesa di Santa Felicita a Firenze, è un esempio per eccellenza della prassi dell'epoca che vedeva i pittori riunirsi in società che erano vere e proprie "compagnie" o "botteghe" Il probabile caposcuola fu Spinello Aretino nell'ideare il soggetto della "Vergine incoronata", che è la Regina del Cielo che riceve la corona dal Redentore. Questo ricco simbolismo divenne rapidamente una metafora della gloria trionfale della Chiesa. Spesso presente nelle pale d'altare delle chiese monastiche femminili, esso predica come anche queste monache saranno ricompensate con la beatitudine celeste per la loro costante devozione fatta di preghiere e penitenze. Ciò che cattura maggiormente l'attenzione in questo dipinto è la grande varietà di strumenti musicali posti ai piedi degli angeli accanto a quelli delle Vergini - tamburi, cornamuse, altri strumenti a fiato - tutti raffigurati in modo abbastanza realistico mentre vengono suonati, il che non aggiunge un po' di vita alla scena!

In fondo alla sala, accoglie le persone un magnifico capolavoro tessile. Il paramento sacro, chiamato paliotto, accoglie gli spettatori con il suo antico splendore di vasto drappo ricamato ora esposto alle pareti - i suoi fili d'oro e d'argento di seta policroma hanno brillato un tempo sull'altare maggiore di Santa Maria Novella a Firenze. Eseguita da Jacopo Cambi nel 1336, quest'opera incarna l'altissima considerazione di cui godeva il ricamo a Firenze: nel corso del XIV secolo, questo mestiere era molto apprezzato ben oltre i confini della Repubblica fiorentina. Sulla parete di fondo è appesa una grande pala d'altare recentemente restaurata. L'attenzione viene immediatamente attirata dalle tonalità vivaci riportate alla loro originaria brillantezza nell'"Incoronazione della Vergine" di Rossello di Jacopo Franchi, circondata da santi e angeli provenienti dal monastero di Santa Maria delle Campora a Firenze. Il retro delle tre sezioni principali del polittico presenta una decorazione marmorea di facciata, rivelando che la pala d'altare era destinata a essere esposta sul retro. Le cuspidi sono ornate da angeli serafini in blu e cherubini in rosso.

Gotico internazionale

All'ultimo scalone. Due croci dipinte dell'inizio del XV secolo la delimitano. La sezione finale del museo contiene la Sala del Gotico Internazionale.

La collezione è ricca di capolavori di Lorenzo Monaco, importante pittore fiorentino attivo a cavallo tra il XIV e il XV secolo. Fu monaco nel monastero fiorentino di Santa Maria degli Angeli dell'Ordine Camaldolese e anche un valente miniaturista che si occupò principalmente della miniatura dei codici.

Nella sala si trova anche la Madonna con Bambino e Santi, opera di Gherardo Starnina, che fu uno dei maggiori rappresentanti dello stile gotico internazionale a Firenze. Pur essendo fiorentino di nascita, soggiornò per un lungo periodo presso la corte reale di Valencia, in Spagna. In questo periodo sviluppò uno stile figurativo più vivace e individualista che, al suo ritorno a Firenze subito dopo il 1400, ebbe una forte influenza sui suoi contemporanei, tra cui Lorenzo Monaco. Le figure flessuose dei suoi dipinti altamente lavorati respirano un'aria profumata di fervore religioso: azzurri perlacei, rosa e viola dipingono forme delicate, la cui luce sembra emanare da esse tonalità divine e luminose all'interno di regni celesti.

In questo spazio si può osservare lo sviluppo della forma della pala d'altare: da complessi polittici costellati di guglie e terminali a pannelli rettangolari. Tra questi, un'opera recentemente attribuita al Maestro di Sant'Agnese, che nonostante non fosse così famoso a Firenze, all'inizio del Trecento lavorava sotto l'influenza di Agnolo Gaddi e Lorenzo Monaco. Realizzata dalle botteghe di alcune Comunità all'interno del Palazzo della festa a Firenze, quest'opera sarebbe un'allegoria della Virtù-Giustizia. Ivo che dispensa giustizia alla sua destra come santo protettore dei poveri, degli orfani e delle vedove che si aggirava tra i poveri con l'elemosina a sinistra e i ricchi donatori ben vestiti alla sua destra. Osservate i ricchi cappelli e i gilet di broccato dei nobili contro i poveri abiti o le calze degli orfani. Una canonizzazione del 1366 decise che Sant'Ives dovesse essere rappresentato come un avvocato, sottolineando la sua funzione di giudice ecclesiastico e il suo impegno nel proteggere i diritti dei meno abbienti.

All'interno della sala, avrete l'opportunità di vedere il video molto accattivante descritto sopra, che mostra in sequenza, con grande accuratezza e seguendo parola per parola le fasi della tecnica della pittura a tempera su tavola secondo il "Libro dell'Arte" di Cennino Cennini alla fine del 14° secolo, pittore e miniaturista fiorentino. Questo video spiega come si realizza un piccolo modello di pala d'altare, a partire dalla preparazione del legno e dalla doratura fino alla pittura finale con la tempera all'uovo. Il termine polittico (dal greco Polu- molti, e ptyche- pieghe) si riferisce a un dipinto costituito da più pannelli dipinti disposti insieme in un'unica cornice. Quando un'opera è divisa in tre sezioni, si chiama trittico. Normalmente, questi dipinti presentavano elementi decorativi come cuspidi in alto o lesene ai lati e poggiavano su una predella dipinta I falegnami univano abilmente le diverse parti delle pale d'altare prima di passarle ai pittori per la doratura e la pittura. Una pratica che risale all'antichità è ancora oggi molto viva a Firenze grazie a questi affascinanti laboratori di restauro artistico!