Salões do gótico tardio

Florença entre 1370 e 1430

O primeiro andar da Accademia (ou segundo, dependendo da sua localização) é com certeza menos concorrido do que o piso térreo. Completamente reorganizado em 2013, este piso é dedicado a uma coleção de pinturas florentinas do final do século XIV, de 1370 a 1420. Com uma nova iluminação, o ambiente já não é tépido, mas sim plácido e encantador, ideal para apreciar as obras-primas florentinas do gótico tardio, recentemente devolvidas após restauro.

Vestíbulo

O percurso do primeiro andar começa com obras de arte que exprimem a religiosidade da Florença de finais do século XIV. No pequeno vestíbulo encontram-se alguns painéis de Jacopo di Cione e uma requintada Madona e Menino com fundo dourado de Don Silvestro de Gherarducci.

Do maior pathos é o "Massacre dos Inocentes" da oficina de Jacopo di Cione. Esta obra provém do mosteiro de São João Evangelista de Boldrone, em Florença: três episódios do início da vida de Cristo num único painel. O registo superior apresenta um "massacre de inocentes" muito comovente, narrado com muito pormenor através das roupas e das expressões das mães, aqui vistas a tentar salvar os seus filhos já mortos ou a chorá-los, enquanto alguns, pelo menos, parecem ter sido postos em atividade com um pincel conhecido também como inteiramente de simpatia. No registo inferior, da esquerda para a direita, está A Adoração dos Magos e A Fuga para o Egito, pintada com muita vida para que o seu valor didático possa ser facilmente apreciado pelas massas iletradas. Os três reis magos, as mulheres e os soldados são representados com roupas ricas, enquanto uma pequena figura de padroeiro está de pé diante de S. João. Atrás dos reis magos é identificável uma serva que segura um falcão enganado, um dos motivos comuns encontrados nas cenas de caça dos nobres florentinos.

A "Madona da Humildade" de Silvestro Gherarducci é muito delicada. Não está entronizada no alto de um grande assento, mas sentada no chão sobre umas almofadas. O termo latino para humildade tem as suas raízes na palavra humus, que significa terra. A Virgem Maria segura o Menino com delicadeza, olhando para o peito de sua mãe num gesto. Don Silvestro Gherarducci viveu no mosteiro camaldolense de Santa Maria degli Angeli, em Florença, e trabalhou como pintor de pequenos quadros. Os pops produzidos com punções abundam na delicada túnica e na requintada orla do manto ultramarino, um dispositivo que se lê preciosidade, impregnando a obra de uma aura de luxo e perfeição técnica.

Sala principal

Na sala central, os visitantes podem ver as grandes encomendas dos grémios florentinos e a riqueza dos retábulos produzidos no final do século XIV e início do século XV. A dimensão socioeconómica e devocional da sociedade florentina é ilustrada através destes grandes retábulos. Evocando uma arquitetura gótica refinada, estes vastos retábulos são rodeados por pináculos, pináculos, pilares e santuários dourados. Quando a moda começou a ser um sinal de distinção, as roupas dos santos nas obras pintadas também se tornaram mais elegantes - até mesmo principescas - como resultado de um número crescente de figuras espremidas em composições que se tornaram mais cheias. Entre os artistas mais importantes expostos na sala central, contam-se Giovanni del Biondo, Mariotto di Nardo, Spinello Aretino e obras de Lorenzo Monaco.

Os dois patronos das Guildas são o que se vê ao entrar: São João Evangelista, à direita, é representado em triunfo sobre as alegorias da avareza, do orgulho e da luxúria, servindo de padroeiro da Guilda da Seda. Por baixo desta figura, o brasão é bem visível; ao centro, um portão que simboliza a sede do grémio, na Via Por Santa Maria, e sublinha o seu compromisso de proteger e manter em segredo os segredos da produção da seda, segredos esses transmitidos de um membro para outro, no seio de círculos restritos. Para completar o seu lado esquerdo, destaca-se o painel de S. Martinho com o seu emblema, uma taça representada na pintura da predela feita à altura de S. Martinho, que é o patrono dos viticultores. A forma vertical esguia corresponde bem a outros acentos verticais, como as pilastras da Igreja de Orsanmichele, onde os artefactos foram financiados pelo dinheiro da guilda.

Um dos retábulos mais complexos e magníficos é da autoria de Giovanni del Biondo; apresenta a Anunciação rodeada pelo Pai Abençoado, um coro de anjos e vários santos situados em diferentes pináculos do altar. Trata-se de uma peça de grandes dimensões, proveniente do convento de Santa Maria Novella, em Florença, onde ornamentava uma capela funerária especificamente dedicada à Virgem da Anunciação. De um lado e do outro do painel central, foram retratados numerosos santos com ricas vestimentas, facilmente identificáveis pelos seus nomes inscritos na base. Devido ao analfabetismo generalizado entre os espectadores e os mecenas, com exceção de alguns clérigos, notários e aristocratas, a linguagem simples era crucial para comunicar com todos os sujeitos representados numa pintura. Por isso, os pintores respeitavam rigorosamente o seu repertório específico de símbolos para indicar o martírio de cada santo (incluindo objectos particulares, gestos, cores), de modo a que os atributos representados nos santos fossem sinais bem reconhecidos que os denotassem.

São João Batista é identificado por uma cruz e um pelo de camelo, São Pedro com as chaves, Maria Madalena com o cabelo esvoaçante e a veste vermelha, Santa Catarina com uma roda que representa o seu martírio.

A bela Anunciação de Lorenzo Monaco provém do mosteiro da Abadia de Florença, em frente ao Bargello. Inicialmente, este tríptico destinava-se ao altar da igreja paroquial de São Proculus, que já não existe. Dos santos aqui representados, podemos reconhecer Catarina, António Abade, Próculus e Francisco de Assis; com Deus Pai a aparecer na cúspide. A composição é animada por uma graciosa representação de figuras: O arcanjo Gabriel em voo contrasta com o gesto ansioso da Virgem vestida com as mais ricas cortinas. À direita do arcanjo (adornado com uma cintilante auréola perfurada e chamas divinas na testa), está Santo António, com uma veste que lhe chega até aos tornozelos, segurando um cajado num braço e um livro na outra mão; a ele junta-se um pequeno leitão selvagem a seus pés. Isto deriva da tradição dos monges antonianos que criavam porcos e usavam a sua gordura como unguento para os doentes que sofriam de feridas dolorosas, conhecidas como "herpes zoster" Só muito recentemente é que um restauro meticuloso fez sobressair as cores vibrantes utilizadas por Lorenzo Monaco.

Um notável políptico produzido em 1401 por um grupo de artistas, incluindo Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini e Lorenzo di Niccolò di Martino, é interessante. O seu trabalho na igreja de Santa Felicita, em Florença, é um exemplo por excelência da prática da época, em que os pintores se juntavam em parcerias que eram verdadeiras "empresas" ou "oficinas" O provável líder entre eles foi Spinello Aretino ao inventar o tema "A Virgem Coroada", que é a Rainha do Céu a receber a sua coroa do Redentor. Este rico simbolismo tornou-se rapidamente uma metáfora da glória triunfante da Igreja. Frequentemente presente nos retábulos das igrejas monásticas femininas, prega que estas freiras também serão recompensadas com a bem-aventurança celeste pela sua constante devoção, envolvendo orações e penitências. O que mais chama a atenção nesta pintura é a grande variedade de instrumentos musicais colocados aos pés dos anjos, ao lado dos das Virgens - tambores, gaitas de foles, outros instrumentos de sopro - todos representados de forma bastante realista, sendo tocados em qualquer sítio, o que dá alguma vida à cena!

No final da sala, o público é recebido com uma magnífica obra-prima têxtil. A veste sagrada, designada por paliotto, saúda os espectadores com a sua antiga glória como um vasto pano bordado, agora exposto nas paredes - os seus fios dourados e prateados de seda policromada brilharam outrora no altar-mor de Santa Maria Novella, em Florença. Executada por Jacopo Cambi em 1336, esta obra encarna a grande consideração que o bordado tinha em Florença: durante o século XIV, este ofício era altamente estimado muito para além das fronteiras da República Florentina. Na parede mais distante, encontra-se um grande retábulo recentemente restaurado. A atenção é imediatamente atraída para ele devido aos tons vibrantes restaurados ao seu brilho original na "Coroação da Virgem" de Rossello di Jacopo Franchi, que está rodeada por Santos e Anjos do mosteiro de Santa Maria delle Campora em Florença. As costas das três secções principais do políptico apresentam uma decoração de fachada em mármore, revelando que o retábulo era para ser visto por detrás. As cúspides são decoradas com anjos serafins a azul e anjos querubins a vermelho.

Gótico Internacional

Na escadaria final. Duas cruzes pintadas do início do século XV ladeiam-na. A última secção do museu contém a Sala do Gótico Internacional.

A coleção é rica em obras-primas de Lorenzo Monaco, o proeminente pintor florentino que esteve ativo na viragem dos séculos XIV e XV. Foi monge no mosteiro florentino de Santa Maria degli Angeli da Ordem Camaldolense e também um miniaturista talentoso que trabalhou principalmente na iluminação de códices.

Na sala encontra-se também a Madona e o Menino com Santos, de Gherardo Starnina, que foi um dos maiores representantes do estilo gótico internacional em Florença. Embora fosse florentino de nascimento, permaneceu durante um longo período na corte real de Valência, em Espanha. Foi durante este período que desenvolveu um estilo figurativo mais vivo e individualista que, após o seu regresso a Florença, pouco depois de 1400, teve uma forte influência nos seus contemporâneos, incluindo Lorenzo Monaco. As figuras ágeis das suas pinturas, muito trabalhadas, respiram um ar perfumado de fervor religioso: azuis nacarados, rosas e violetas pintam formas delicadas, parecendo emanar delas uma luz de tons divinos luminosos nos reinos celestiais.

Neste espaço, é possível observar a evolução da forma do retábulo: dos complexos polípticos cravejados de pináculos e remates aos painéis rectangulares. Entre estes, encontra-se uma obra recentemente atribuída ao Mestre de Santa Inês, que, apesar de não ser tão famoso em Florença, trabalhava estreitamente sob a influência de Agnolo Gaddi e Lorenzo Monaco no início do século XIV. Criada a partir dos ateliers de alguma comunidade do partido do Palazzo de Florença, esta obra seria uma alegoria da Virtude-Justiça em concreto. Ivo, à sua direita, faz justiça como santo padroeiro dos pobres, dos órfãos e das viúvas, que se deslocava Os pobres que ele é com esmolas à esquerda Tecendo por entre ricos doadores bem vestidos à sua direita. Observe os ricos chapéus e coletes de brocado dos nobres contra as roupas pobres ou meias dos órfãos. Uma canonização em 1366 decidiu que S. Ives deveria ser representado como advogado, sublinhando a sua função de juiz eclesiástico, bem como o seu empenho na proteção dos direitos dos mais desfavorecidos.

Dentro da sala, terá a oportunidade de ver o vídeo muito cativante acima descrito, que mostra em sequência, com grande exatidão e seguindo palavra por palavra as etapas das técnicas de Pintura em Painel de Tempera segundo o "Livro da Arte" de Cennino Cennini no final do século XIV, pintor e miniaturista florentino. Este vídeo explica como se realiza uma pequena maqueta de um retábulo, desde a preparação da madeira e o douramento até à pintura final com têmpera de ovo. O termo políptico (do grego Polu - muitos, e ptyche - dobras) refere-se a uma pintura constituída por vários painéis pintados dispostos juntos numa composição de moldura. Quando uma obra é dividida em três secções, é designada por tríptico. Normalmente, estas pinturas apresentavam elementos decorativos, como cúspides no topo ou pilastras nos lados, e assentavam num "degrau" pintado (predella) Os carpinteiros uniam habilmente as diferentes partes dos retábulos antes de as entregarem aos pintores para serem douradas e pintadas. Uma prática que remonta à Antiguidade continua bem viva em Florença, graças a estes encantadores ateliers de restauro de arte!