Sale późnogotyckie

Florencja w latach 1370-1430

Pierwsze piętro Accademii (lub drugie, w zależności od lokalizacji) jest z pewnością mniej zatłoczone niż parter. Całkowicie zreorganizowany w 2013 roku, poziom ten poświęcony jest kolekcji florenckich obrazów z końca XIV wieku, od 1370 do 1420 roku. Dzięki nowemu oświetleniu atmosfera nie jest już chłodna, ale raczej spokojna i czarująca - w sam raz, aby docenić późnogotyckie florenckie arcydzieła, które niedawno powróciły po renowacji.

Przedsionek

Podróż na pierwsze piętro rozpoczyna się od dzieł sztuki, które wyrażają religijność końca XIV-wiecznej Florencji. W niewielkim przedsionku znajduje się kilka paneli autorstwa Jacopo di Cione oraz wspaniała Madonna z Dzieciątkiem na złotym tle autorstwa Don Silvestro z Gherarducci.

Największym patosem jest "Masakra niewiniątek" autorstwa warsztatu Jacopo di Cione. Dzieło to pochodzi z klasztoru św. Jana Ewangelisty Boldrone we Florencji: trzy epizody z wczesnego życia Chrystusa na jednym panelu. Górny rejestr przedstawia najbardziej wzruszającą "masakrę niewiniątek", opowiedzianą z wieloma szczegółami poprzez ubrania i wypowiedzi matek, tutaj widzianych albo próbujących uratować swoje już martwe dzieci, albo opłakujących je, podczas gdy niektóre przynajmniej wydają się być zaangażowane w działania pędzlem znanym również jako całkowicie przyjazny. W dolnym rejestrze, od lewej do prawej, znajduje się Pokłon Trzech Króli i Ucieczka do Egiptu, namalowane z dużą ilością życia, tak aby ich wartość dydaktyczna mogła być łatwo doceniona przez niepiśmienne masy. Trzej Mędrcy, kobiety i żołnierze są przedstawieni w bogatych strojach, podczas gdy mała postać patrona stoi przed św. Za Mędrcami można rozpoznać służebnicę, która trzyma zakapturzonego sokoła, jeden z powszechnych motywów występujących w scenach polowań florenckiej szlachty.

Madonna Pokory" Silvestro Gherarducciego jest bardzo delikatna. Madonna nie siedzi na tronie, lecz na podłodze, na poduszkach. Łaciński termin oznaczający pokorę ma swoje korzenie w słowie humus, oznaczającym ziemię. Dziewica Maryja trzyma Dzieciątko delikatnie patrząc na pierś matki w geście. Don Silvestro Gherarducci mieszkał w klasztorze kamedułów Santa Maria degli Angeli we Florencji i pracował jako malarz małych obrazów. W delikatnej szacie i wykwintnym ultramarynowym obramowaniu płaszcza obfitują stemple, które nadają dziełu aurę luksusu i technicznej perfekcji.

Sala główna

W centralnej sali goście mogą zobaczyć duże zamówienia z florenckich gildii i bogactwo ołtarzy wyprodukowanych pod koniec XIV i na początku XV wieku. Społeczno-ekonomiczne i dewocyjne wymiary florenckiego społeczeństwa są zilustrowane przez te duże ołtarze. Przywołując wyrafinowaną architekturę gotycką, te ogromne ołtarze otoczone są złoconymi pinaklami, iglicami, filarami i kapliczkami. Kiedy moda zaczęła być oznaką wyróżnienia, ubrania świętych w malowanych dziełach również stały się bardziej stylowe - nawet książęce - w wyniku rosnącej liczby postaci wciśniętych w kompozycje, które stały się bardziej zatłoczone. Niektórzy z najważniejszych artystów prezentowanych w centralnej sali to Giovanni del Biondo, Mariotto di Nardo, Spinello Aretino i prace Lorenzo Monaco.

Dwaj patroni cechów są tym, co widać po wejściu: Święty Jan Ewangelista po prawej stronie jest przedstawiony w triumfie nad alegoriami chciwości, pychy i pożądania, służąc jako patron Gildii Jedwabiu. Pod tą postacią można dość wyraźnie dostrzec herb; w jego centrum znajduje się brama, która symbolizuje miejsce, w którym gildia miała swoją siedzibę przy Via Por Santa Maria i podkreśla ich przysięgę ochrony i zachowania tajemnic dotyczących produkcji jedwabiu - tajemnic przekazywanych z jednego członka na drugiego w ciasnych kręgach. Marcina z jego emblematem w postaci kielicha przedstawionego na predelli obrazu, dzięki któremu wysoki święty stał się patronem winiarzy. Smukły pionowy kształt dobrze koresponduje z innymi pionowymi akcentami, takimi jak pilastry w kościele Orsanmichele, gdzie artefakty zostały sfinansowane z pieniędzy cechowych.

Jeden z najbardziej skomplikowanych i wspaniałych ołtarzy jest dziełem Giovanniego del Biondo; przedstawia Zwiastowanie otoczone błogosławiącym Ojcem, chórem aniołów i różnymi świętymi umieszczonymi na różnych szczytach ołtarza. Jest to bardzo duże dzieło, które pochodzi z klasztoru Santa Maria Novella we Florencji, gdzie zdobiło kaplicę grobową specjalnie poświęconą Dziewicy Zwiastowania. Po obu stronach centralnego panelu przedstawiono wielu świętych w bogatych strojach - łatwo ich zidentyfikować po imionach wyrytych u podstawy. Ze względu na powszechny analfabetyzm wśród widzów i mecenasów, z wyjątkiem kilku duchownych, notariuszy i arystokratów, prosty język był kluczowy dla komunikacji ze wszystkimi podmiotami przedstawionymi na obrazie. Dlatego malarze ściśle trzymali się określonego repertuaru symboli wskazujących na męczeństwo każdego świętego (w tym konkretnych przedmiotów, gestów, kolorów), tak aby atrybuty przedstawiane na świętych były dobrze rozpoznawalnymi znakami je oznaczającymi.

Jana Chrzciciela można rozpoznać po wielbłądziej sierści i krzyżu, świętego Piotra po kluczach, Marię Magdalenę po spływających włosach i czerwonej szacie, świętą Katarzynę po kole symbolizującym jej męczeństwo.

Piękne Zwiastowanie autorstwa Lorenzo Monaco pochodzi z klasztoru opactwa florenckiego naprzeciwko Bargello. Początkowo tryptyk ten był przeznaczony na ołtarz w kościele parafialnym św. Prokulusa, który już nie istnieje. Spośród przedstawionych tu świętych można rozpoznać Katarzynę, Antoniego Opata, Prokulusa i Franciszka z Asyżu; z Bogiem Ojcem pojawiającym się na szczycie. Kompozycję ożywiają wdzięczne przedstawienia postaci: Archanioł Gabriel w locie kontrastuje z zatroskanym gestem Dziewicy odzianej w najbogatsze draperie. Po prawej stronie archanioła (ozdobionego połyskującą, dziurkowaną aureolą i boskimi płomieniami na czole) stoi św. Antoni - postać w szacie sięgającej mu do kostek - trzymając laskę pod jedną ręką i księgę pod drugą; dołącza do niego małe dzikie prosię u jego stóp. Wywodzi się to z tradycji mnichów antonińskich, którzy hodowali świnie i używali ich tłuszczu jako maści dla pacjentów cierpiących na bolesne, kłujące rany zwane "gontami" Dopiero niedawno skrupulatna renowacja wydobyła żywe kolory użyte przez Lorenzo Monaco.

Godny uwagi jest poliptyk wykonany w 1401 roku przez grupę artystów, w tym Spinello Aretino, Niccolò di Pietro Gerini i Lorenzo di Niccolò di Martino. Ich dzieło z kościoła Santa Felicita we Florencji jest doskonałym przykładem praktyki z epoki, w której malarze łączyli się w partnerstwa, które były faktycznymi "firmami" lub "warsztatami" Prawdopodobnym liderem wśród nich był Spinello Aretino, który wymyślił temat "Ukoronowanej Dziewicy", która jest Królową Niebios otrzymującą koronę od Odkupiciela. Ta bogata symbolika szybko stała się metaforą triumfalnej chwały Kościoła. Często obecny w żeńskich ołtarzach klasztornych, głosi, że te zakonnice również zostaną nagrodzone niebiańską błogością za ich nieustanne oddanie obejmujące modlitwy i pokuty. To, co najbardziej przykuwa uwagę na tym obrazie, to duża różnorodność instrumentów muzycznych umieszczonych u stóp aniołów obok dziewic - bębny, dudy, inne instrumenty dęte - wszystkie przedstawione dość realistycznie, nigdzie nie dodają życia scenie!

Na końcu pokoju wita ludzi wspaniałe tekstylne arcydzieło. Szata liturgiczna, zwana paliotto, wita widzów swoją dawną świetnością jako ogromna haftowana tkanina, obecnie wyświetlana na ścianach - jej złote i srebrne nici polichromowanego jedwabiu mieniły się niegdyś na ołtarzu głównym Santa Maria Novella we Florencji. Wykonane przez Jacopo Cambi w 1336 roku, dzieło to uosabia bardzo wysoki szacunek, jakim haft cieszył się we Florencji: w XIV wieku rzemiosło to było wysoko cenione daleko poza granicami Republiki Florenckiej. Na przeciwległej ścianie wisi duży ołtarz, który został niedawno odrestaurowany. Uwagę od razu przyciągają żywe kolory przywrócone do pierwotnego blasku w "Koronacji Dziewicy" Rossello di Jacopo Franchi, otoczonej przez świętych i anioły z klasztoru Santa Maria delle Campora we Florencji. Tyły trzech głównych sekcji poliptyku przedstawiają marmurową dekorację fasady, ujawniając, że ołtarz był przeznaczony do oglądania z tyłu. Wsporniki są ozdobione aniołami serafinów w kolorze niebieskim i aniołami cherubinów w kolorze czerwonym.

Międzynarodowy gotyk

Przy ostatnich schodach. Graniczą z nią dwa malowane krzyże z początku XV wieku. Ostatnia sekcja muzeum zawiera Salę Międzynarodowego Gotyku.

Kolekcja jest bogata w arcydzieła Lorenzo Monaco, wybitnego florenckiego malarza, który działał na przełomie XIV i XV wieku. Był on mnichem we florenckim klasztorze Santa Maria degli Angeli zakonu kamedułów, a także utalentowanym miniaturzystą, który zajmował się głównie iluminacją kodeksów.

W sali znajduje się również Madonna z Dzieciątkiem i świętymi, autorstwa Gherardo Starniny, który był jednym z głównych przedstawicieli międzynarodowego stylu gotyckiego we Florencji. Choć z urodzenia był florentyńczykiem, przez długi czas przebywał na dworze królewskim w hiszpańskiej Walencji. W tym czasie rozwinął bardziej żywy i indywidualistyczny styl figuratywny, który po powrocie do Florencji tuż po 1400 roku wywarł silny wpływ na jego współczesnych, w tym Lorenza Monaco. Smukłe postacie na jego bardzo kunsztownych obrazach oddychają powietrzem pachnącym religijnym zapałem: perłowe błękity, róże i fiolety malują delikatne formy, światło wydaje się emanować z nich boskimi odcieniami świecącymi w niebiańskich królestwach.

W tej przestrzeni można zaobserwować rozwój formy ołtarza: od złożonych poliptyków wysadzanych iglicami i zwieńczeniami po prostokątne panele. Wśród nich znajduje się dzieło niedawno przypisane Mistrzowi św. Agnieszki, który pomimo tego, że nie był tak sławny we Florencji, pracował blisko pod wpływem Agnolo Gaddiego i Lorenzo Monaco na początku XIV wieku. Dzieło to, stworzone w warsztatach w pewnej wspólnocie w ramach partii Palazzo we Florencji, byłoby alegorią konkretnie dla Cnoty-Sprawiedliwości. Ivo wymierzający sprawiedliwość po swojej prawej stronie jako patron ubogich, sierot i wdów, święty, który chodził po biednych z jałmużną po lewej stronie, przeplatając się z dobrze ubranymi bogatymi darczyńcami po prawej stronie. Zwróć uwagę na bogate brokatowe kapelusze i kamizelki szlachty w porównaniu z ubogimi ubraniami lub skarpetami sierot. Podczas kanonizacji w 1366 r. zdecydowano, że św. Ives powinien być przedstawiany jako prawnik, podkreślając jego funkcję jako sędziego kościelnego, a także jego zaangażowanie w ochronę praw osób znajdujących się w trudnej sytuacji.

W holu będzie można obejrzeć opisany powyżej, bardzo urzekający film wideo, pokazujący kolejno, z wielką dokładnością i podążając słowo w słowo za etapami techniki malowania temperą panelową zgodnie z "Księgą sztuki" Cennino Cenniniego u schyłku XIV wieku florenckiego malarza i miniaturzysty. Ten film wyjaśnia, jak powstaje mały model ołtarza, od przygotowania drewna i złocenia po końcowe malowanie temperą jajową. Termin poliptyk (z greckiego polu - wiele i ptyche - fałdy) odnosi się do obrazu składającego się z kilku malowanych paneli ułożonych razem w jednej kompozycji ramowej. Gdy dzieło jest podzielone na trzy części, nazywane jest tryptykiem. Zwykle obrazy te przedstawiały elementy dekoracyjne, takie jak guziki u góry lub pilastry po bokach i spoczywały na pomalowanym "stopniu" "predelli" Stolarze umiejętnie łączyli różne części ołtarzy przed przekazaniem ich malarzom do złocenia i malowania. Praktyka, która sięga starożytności, jest nadal bardzo żywa we Florencji dzięki tym uroczym warsztatom renowacji dzieł sztuki!