Sala dos prisioneiros

No século XIX, foi utilizada como galeria de exposição de obras antigas provenientes de várias colecções e terminava na Tribuna, onde as esculturas de Miguel Ângelo puderam ser acomodadas, dando origem a um percurso unificado que termina no centro da Tribuna, onde o David é colocado sob uma cúpula que assume a forma de uma auréola.

O nome da Sala deve-se a estas quatro impressionantes esculturas de nus masculinos, frequentemente designadas por Escravos, Prisioneiros ou Cativos. As obras foram iniciadas pelo próprio Miguel Ângelo para um imenso projeto de túmulo para o Papa Júlio II della Rovere. A encomenda original remonta a 1505, antes de lhe ser atribuída a Capela Sistina em 1508; pretendia-se que fosse o maior túmulo da história cristã, com mais de 40 figuras. Os quatro prisioneiros destinavam-se, na realidade, a servir de pilastras no nível inferior de um enorme túmulo autónomo concebido para o centro da antiga Basílica de São Pedro, em Roma. Miguel Ângelo dedicou meses a este trabalho específico para encontrar mármore de alta qualidade entre as pedreiras de Carrara, selecionando manualmente cada bloco que considerava adequado e marcando-o com três círculos. No entanto, em 1506, deixou de trabalhar nela porque o Papa Júlio não tinha cada vez mais fundos suficientes para pagar esta grande obra, o que também o desviou de outros projectos, como a reconstrução de Roma!

Após a morte do Papa, em 1513, o primeiro projeto foi reduzido para proporções menos grandiosas, tendo sido feitos novos ajustes em 1521 e novamente em 1534, quando se decidiu excluir os prisioneiros do projeto e enviá-los de volta para Florença. Quase 40 longos e tempestuosos anos depois, a "tragédia do sepulcro" chegou ao fim. Foi durante este período que Miguel Ângelo realizou algumas das suas esculturas mais famosas para o túmulo de Júlio II, entre as quais o Moisés (cerca de 1515), um monumento funerário muito reduzido, que se encontra atualmente numa igreja de São Pedro pouco conhecida em Roma - San Pietro in Vincoli. Michelangelo tinha em mente um túmulo onde a câmara seria pintada com figuras do Antigo e do Novo Testamento, juntamente com representações alegóricas das Artes e das Virtudes prevalecendo sobre os Vícios. Segundo ele, os seus "Prisioneiros" significavam a Alma presa na Carne, escravizada pelas fragilidades humanas.

Aquando da morte do artista, quatro dos Prisioneiros foram encontrados no seu atelier e o seu sobrinho ofereceu-os ao Duque Cosimo I de' Medici, juntamente com a Vitória, atualmente no Palazzo Vecchio. A gruta foi flanqueada em 1586 por Bernardo Buontalenti com esculturas nos cantos de Boboli expansivo Anunciacion Grotto definir enorme ator Jardins), Palazzo Pitti como (fundo localizado Vincenzo humano-like Nas paredes são estalactites artificiais e estalagmites Resto mostra adornando pedras e esponjas arranjo concha do mar antes de fósseis figura feita pelo homem prisão onde componentes gruta echoezon humanos eram partes do projeto de Michelangelo. Os Escravos permaneceram até 1908, altura em que foram transferidos para a Galleria dell'Accademia.

De grande reputação são quatro estátuas em particular, conhecidas pelos estudiosos como "O Escravo Desperto", "O Jovem Escravo", "O Escravo Barbudo" e "O Atlas (ou Amarrado)", devido ao seu estado incompleto. São típicos da técnica de trabalho de Miguel Ângelo chamada non-finito e, ao mesmo tempo, exemplos impressionantes de transmissão da ideia das dificuldades que um artista enfrenta ao extrair uma figura de um bloco de mármore, bem como da aspiração da humanidade a libertar um espírito das limitações físicas.

As leituras destas estátuas têm sido muito variadas. Sente-se, em diferentes fases de acabamento, a força com que as ideias criativas lutam para se libertarem do peso material e do confinamento que as rodeia. É possível que tenham sido deliberadamente deixadas incompletas pelo artista para dar expressão a esta condição universal em que os indivíduos se esforçam por se libertarem dos seus constrangimentos materiais.

Ao observar os Prisioneiros de vários ângulos, revela-se a profunda sensibilidade e compreensão da anatomia por parte de Miguel Ângelo. Embora as cabeças e os rostos estejam entre as partes menos acabadas destes bustos, contribuem muito bem para o seu significado básico através da sua postura - classicamente em contrapposto. Os Escravos colocam a maior parte do seu peso num só pé, de modo que esta ação faz com que os ombros se inclinem contra as ancas e as pernas, ao mesmo tempo que, por sua vez, coloca um lado do corpo em acentuado desacordo com o outro lado. O movimento é assim habilmente dado a estas figuras cuidadosamente desequilibradas, bem como a emoção; adquirem também uma presença mais dinâmica e dominante como Prisioneiros devido a este tratamento pelo artista.

As esculturas inacabadas de Miguel Ângelo na Accademia são um bom exemplo para esclarecer a sua filosofia e técnica de escultura. Segundo ele, um escultor era apenas um instrumento de Deus. Por conseguinte, o seu papel não era o de criar, mas o de descobrir as formas poderosas do mármore. O material que envolve a figura é o que Miguel Ângelo precisa de cortar. O seu trabalho consistia apenas em cortar a rocha à volta dessas formas, para que estas ficassem bem visíveis.

Vasari escreve que Michelangelo nunca descalçava as botas durante dias seguidos e que usava a mesma roupa durante o trabalho, não só por uma questão de eficácia, mas também por uma questão de habilidade e de experiência, uma vez que, se se sabe o que se faz, é bastante fácil manter o mármore branco limpo, sem pó (e impraticavelmente frio no inverno).

De facto, as fases preliminares são distinguíveis porque os restos deixados pelo martelo e pelo cinzel pontiagudo aparecem claramente nas superfícies de mármore deste período em que a forma começa a emergir; Michelangelo começou de trás para a frente enquanto trabalhava livremente nas figuras, ao contrário de outros escultores que desenhavam contornos nos seus blocos depois de fazerem modelos de gesso. Não tendo qualquer experiência com modelos de gesso (nem mesmo com desenhos em papel), Miguel Ângelo começou logo com o mármore em bruto - concebido livremente em três dimensões de uma só vez - atacando mais fortemente as massas antes de entrar nos pormenores para a conclusão, ganhando sempre anatomia progressivamente, tanto quanto a forma em geral, de modo a que cada parte revele um trabalho executado com frescura até ao último toque dado com segurança.

Como Vasari descreveu nas suas "Vidas dos Artistas", estas figuras pareciam erguer-se do mármore "como se uma forma estivesse a subir à superfície da água" O seu método consistia em colocar uma figura de cera num recipiente com água e depois expô-la gradualmente, de modo a poder distinguir as partes que se projectavam mais longe. Trabalhava da mesma forma, extraindo ele próprio primeiro as partes de maior relevo.

Em 1503, Miguel Ângelo recebeu a encomenda de fazer estátuas dos doze Apóstolos para a Catedral de Florença. No entanto, só começou a trabalhar numa peça, São Mateus. Foi chamado a Roma por Júlio II pouco depois de ter começado a trabalhar nela, pelo que esta se tornou a sua primeira escultura inacabada.

Após a anulação do contrato para as estátuas dos doze Apóstolos, a 18 de dezembro de 1505, Miguel Ângelo terá retomado o trabalho em S. Mateus no ano seguinte. Várias referências em cartas da época e um traço estilístico típico desta fase permitem-nos formular tal hipótese: a torção da cabeça do santo em contraste com a posição do peito, que parece inspirada no grupo helenístico Laocoonte e seus filhos (desenterrado em 1506) que Miguel Ângelo passou a apreciar nesse mesmo ano.

A inscrição na base indica-nos que foi em 1831 que a estátua foi transferida do pátio da Ópera do Duomo de Florença para o átrio da Accademia di Belle Arti. Mais tarde, em 1909, mudar-se-ia para junto deste edifício da galeria, tal como os Prisioneiros nesse mesmo ano.