La Tribune

Dans les années 1850, un débat houleux s'engagea sur la conservation du David en marbre de Michel-Ange, datant de 1504, et qui devait se trouver sur la Piazza della Signoria. L'architecte Emilio de Fabris est chargé de concevoir une Tribune quadrangulaire au bas de ce que l'on appelle aujourd'hui la "Galerie des peintures anciennes", dans l'axe de l'actuelle Salle des Prisonniers. Il était prévu que le David de Michel-Ange soit placé au centre de cette Tribune sous une verrière très lumineuse ayant la forme d'un dôme circulaire en 1873. Au mois d'août, cette statue fut démontée (dans un cadre en bois spécialement construit à cet effet) et transportée sur des rails en direction de l'Accademia. Cependant, lorsqu'ils atteignirent l'Accademia, ils ne purent pas la faire entrer à l'intérieur parce que... La Tribune n'avait pas été achevée ! Des documents d'archives montrent que la statue est restée dans le chariot en bois à l'extérieur jusqu'en 1882, date à laquelle la Tribune a été achevée et ouverte au public. David a donc passé 9 ans dans sa caisse !

Au début, les ailes de la Tribune présentaient des copies des chefs-d'œuvre de Michel-Ange lui-même, puis des tondos. Aujourd'hui, dans ces deux ailes de la Tribune, nous pouvons admirer David avec d'autres œuvres appartenant à d'autres artistes du XVIe siècle tels que Bronzino, Cecchino Salviati et Allori. Le choix de ces artistes en particulier permet de mettre en évidence les liens qui les unissaient à Michel-Ange de son vivant, à ses œuvres et à l'influence culturelle qu'elles exerçaient sur eux.

Hommage à la droite

Nous cherchons à mettre en valeur les aspects de la Vierge à l'enfant de Francesco Salviati avec le jeune saint Jean et un ange à la droite de David. Après avoir été l'apprenti d'Andrea del Sarto, Salviati a eu une carrière longue et colorée à Florence, à Rome et en France, jusqu'à son travail pour la cour internationale du maniérisme de Fontainebleau.

Les teintes lumineuses et irisées des artistes maniéristes se retrouvent dans cette Vierge à l'enfant, dont la restauration a redonné vie aux teintes après avoir été retouchée en 2003. Le lien entre Francesco Salviati et Michel-Ange ne se limite pas à l'utilisation de poses dynamiques et de torsions exagérées dans ses figures. Il a également contribué à préserver les morceaux de marbre du bras de David après que la statue a été endommagée lors d'une émeute sur la Piazza della Signoria. En 1527, deux hommes, Francesco Salviati et Giorgio Vasari, ont récupéré les fragments et, il y a une douzaine d'années, David a été restauré.

Hommage à l'aile gauche

Après avoir tourné à gauche après le David, de nombreuses œuvres d'art jalonnent le hall et méritent que l'on s'y arrête pour les apprécier.

C'est à gauche que l'on découvre pour la première fois la Déposition du Christ de Santi di Tito (huile sur panneau, vers 1590). Ce grand panneau représente une Déposition, avec les croix du Golgotha qui se détachent nettement sur un ciel paisible à l'arrière-plan et semblent encadrer l'espace du premier plan pour la lamentation. Le corps du Christ, presque entièrement posé sur le sol, est soutenu par la Vierge, avec saint Jean-Baptiste d'un côté et sainte Catherine d'Alexandrie avec le donateur, qui est vêtu d'une belle armure marquée des signes de l'ordre des chevaliers de Saint-Étienne. Il s'agit d'Ernando Sastri, originaire d'Espagne, dont les armoiries figurent dans le bouclier situé dans le coin inférieur droit, qui a reçu cet honneur en 1576. Le tableau évoque une atmosphère d'introspection et de réflexion profondes, tandis que le chevalier, placé à l'extrême premier plan, la main gauche tendue vers l'extérieur, relie le tableau à ses spectateurs, les attirant, dans ce cas, dans la méditation et les encourageant à s'impliquer sur le plan émotionnel. Avant la restauration de 2003, de lourds repeints avaient masqué une grande partie du paysage en arrière-plan, cachant le ciel et les croisements avec la perception de l'espace et sa relation avec ce qui l'entoure. La signature de Santi di Tito figure en bas à gauche du panneau.

Sur la droite se trouvait un grand panneau de la Déposition du Christ de Bronzino. Cette œuvre a été commandée par Cosimo I Medici pour une église de Portoferraio, située sur l'île d'Elbe, au large de la côte toscane. Ce grand panneau a été transporté par bateau, d'abord sur l'Arno jusqu'au port de Pise, puis en haute mer jusqu'à sa destination finale. En 1561, Bronzino et son assistant Alessandro Allori ont achevé leur travail sur le tableau.

La signature d'Alessandro Allori se trouve sur un vase vert bien visible dans le coin inférieur gauche du tableau. La composition est orientée de haut en bas, décrivant l'instant de la descente du Christ de la Croix ; elle guide le spectateur à travers des formes sinueuses et éloquentes vers ceux qui se lamentent au centre de l'attention. Le corps nu et pâle du Christ, son intensité sculpturale et son torse modelé de manière complexe sont des domaines où la main de Bronzino a été influencée par Michel-Ange.

Un nettoyage effectué en 2003 a débarrassé l'œuvre d'art d'importantes couches de repeints lourds qui avaient obscurci la surface originale. Avant la restauration, la ville fortifiée à l'arrière-plan, au-dessus de la colline du Golgotha en haut à gauche, n'était pas visible. Portoferraio pourrait y être représentée, avec ses trois solides bastions construits sous Cosimo Ier pour se défendre contre les invasions de pirates. Le personnage barbu à l'extrême gauche regardant vers l'extérieur a été identifié comme un autoportrait de Bronzino lui-même. Lisez la suite pour une note intéressante sur le récent processus de restauration de cette peinture.

Le troisième panneau en partant de la droite est l'Annonciation d'Allori, peinte par Alessandro Allori à l'huile sur bois vers 1572-1578. Le couvent de Montedomini a commandé ce grand panneau pour Sœur Laura dei Pazzi, représentant l'Annonciation typique d'une modeste chambre florentine du XVIe siècle. Dans cette composition, Gabriel, placé sur un léger nuage, s'agenouille devant la Vierge et lui annonce qu'elle sera la mère du Christ. De sa main droite, il offre à Marie un lys blanc (Lilium candidum), symbole de pureté, et de sa main gauche, il lui montre le Saint-Esprit qui descend du ciel. Plus haut, des anges dispersent diverses fleurs. La présence attrayante d'une corbeille de couture apporte un détail supplémentaire et l'accent est mis sur les minuscules détails de broderie insérés devant un ange.

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La quatrième œuvre d'art est d'Alessandro Allori et s'intitule le Couronnement de la Vierge Marie (huile sur toile, 1593). Avec cette peinture, l'artiste a réalisé un tribut de fleurs très ornemental, frais avec des teintes variées et subtil dans son échelle de valeurs - en bref, un fond idéal et joyeux pour un sujet tel que le Couronnement de la Vierge. Il fut demandé à Allori pour l'église Sainte Monique de Florence. Les plantes à fleurs, représentées ici par de nombreuses espèces de chaque type de plantes connues de l'homme, nous invitent dans un Paradis éclatant de couleurs et d'élégance ; elles révèlent leur signification mystique en déroulant leur parfum devant celui qui les regarde. Lorsque des visions ont poussé les artistes à créer des fleurs comme symboles à l'époque médiévale, les détails précis étaient inconnus ; ces peintures n'ont donc pu être réalisées que grâce à l'inspiration divine plutôt qu'à l'observation. L'enthousiasme de la famille Médicis pour la science a finalement contribué à stimuler cette forme d'art botanique : il a entraîné une augmentation de l'intérêt pour les sujets floraux chez les peintres qui cherchaient à représenter la nature de manière réaliste et qui avaient besoin d'illustrations botaniques précises.