Salle Colosso

Les visiteurs sont accueillis dans la salle du Colosse de la Galleria, un espace qui a fait l'objet d'un réaménagement complet en décembre 2013.

Les premiers pas du visiteur dans l'itinéraire des expositions du musée se font dans la salle du Colosse, une vaste salle dont la pièce maîtresse est l'étonnante esquisse en terre cuite de Giambologna représentant Le viol des Sabines. Cette salle contient également une collection de peintures florentines du XVe et du début du XVIe siècle. Une petite salle nouvellement créée et accessible depuis la salle du Colosse a été ajoutée uniquement pour améliorer l'approche de ces œuvres, qui ne sont consacrées qu'au XVe siècle. Il sera possible d'y voir des chefs-d'œuvre tels que la Thébaïde de Paolo Uccello et le Cassone Adimari de Scheggia (le frère de Masaccio).

Cette salle a reçu son nom au XIXe siècle lorsqu'elle présentait un moulage en plâtre d'une statue antique, en l'occurrence celle des Dioscures de Montecavallo (Castor et Pollux), qui n'est plus exposée dans la galerie.

Actuellement, le centre de la salle présente le modèle en plâtre de la magnifique sculpture en marbre de Giambologna, "Le viol des Sabines", réalisée vers 1580.

Giambologna a réalisé ce modèle pour démontrer sa virtuosité, marquant le premier exemple d'un trio de figures étroitement liées sculptées dans un seul grand bloc de marbre, offrant aux observateurs différentes perspectives. La pièce de marbre originale, achevée en 1582, peut être admirée sous la Loggia dei Lanzi, sur la Piazza della Signoria.

Sur le même mur de l'entrée

Autour du plâtre de Giambologna se trouve un ensemble d'œuvres d'art religieux d'une valeur exceptionnelle, datant du XVe siècle au début du XVIe siècle. L'abondance de peintures sur panneaux de petit format qui ornent le mur ne manquera pas d'attirer l'attention. Ce mur présente des œuvres d'artistes renommés tels que Paolo Uccello, Perugino, Filippino Lippi, Domenico Ghirlandaio et Botticelli.

À première vue, le volume des œuvres peut sembler écrasant. Nous vous recommandons donc de prendre un moment pour vous asseoir près du plâtre de Giambologna. Vous pourrez ainsi apprécier confortablement cette riche collection d'art de la Renaissance et chercher deux des pièces les plus significatives sur le mur avant de poursuivre votre exploration de l'Accademia.

Au premier plan se trouve la pièce centrale : le panneau frontal rectangulaire d'un coffre connu sous le nom de Cassone Adimari.

Ce panneau appartient à un coffre de mariage associé à la famille Adimari et illustre la quintessence de la célébration d'un mariage de la Renaissance florentine. Il présente des rues médiévales, des monuments remarquables (le Baptistère étant situé à gauche) et d'exquis vêtements de brocart qui reflètent les traditions et la richesse des familles nobles de Florence dans les années 1450.

Le mur de gauche

À gauche du coffre se trouve le deuxième chef-d'œuvre, un petit panneau attribué à Botticelli et intitulé La Madone de la mer. Son nom provient du faible paysage marin visible à l'arrière-plan, tandis que son attrait réside dans les détails et les symboles dorés qui caractérisent les deux personnages. La grenade que tient l'enfant Jésus symbolise la passion du Christ. En outre, l'étoile, connue sous le nom de "Stella Maris", scintille sur la robe bleu foncé de Marie, ce qui renforce le lien entre l'œuvre et la mer. Au Moyen Âge, on pensait que le nom "Maria" était associé à la mer, puisque le mot italien pour mer est mare. La Stella Maris (étoile de mer) est donc une représentation de Marie, s'inspirant d'anciennes interprétations du nom juif "Myriam" (Marie) et créant un lien avec l'océan.

Aujourd'hui, l'aile gauche de la salle du Colosse présente six retables du XVe siècle, classés par ordre chronologique pour illustrer l'évolution de l'école florentine. La collection commence par un panneau carré créé par Andrea di Giusto en 1437 et culmine avec la maturité artistique du célèbre Domenico Ghirlandaio à la fin de la série.

Au cœur de la composition se trouve l'œuvre significative Trinité d'Alesso Baldovinetti, créée en 1470 et destinée à l'origine à l'église Santa Trinita de Florence. Derrière un élégant drapé orné de perles, le mystère de la Trinité, composée de Dieu le Père, du Christ et du Saint-Esprit, se déploie, soutenu par des anges. Le Christ est représenté sur la croix, soutenu par Dieu le Père, tandis qu'une colombe blanche placée entre leurs têtes représente le Saint-Esprit. Ces trois figures sont entourées d'une vibrante assemblée d'anges chérubins, tous encadrés dans une forme d'amande. Sous la croix se trouve un crâne, un symbole religieux commun représentant la rédemption humaine. Par le sacrifice du Christ, son sang atteint le crâne d'Adam, symbolisant la possibilité pour tous ses descendants d'être libérés du péché originel.

Sur le côté droit de la Trinité, le célèbre retable de Trebbio de Botticelli représente une Sainte Conversation. La Vierge Marie et l'enfant sont magnifiquement illustrés dans un espace grandiose, accompagnés de six saints de différentes époques. Ce panneau provient de la Villa Médicis de Trebbio et a probablement été commandé par Lorenzo di Pierfrancesco Medici. Le mécénat de la famille Médicis est clairement démontré par l'inclusion de leurs saints protecteurs, S. Cosmas et S. Damian, parés de longs et élégants vêtements pourpres.

À l'extrémité de ce mur gauche, on trouve la digne œuvre de Domenico Ghirlandaio représentant saint Étienne, flanqué de saint Jacques et de saint Pierre (1493). La grandeur des trois figures sculpturales, qui s'élèvent de façon spectaculaire au-dessus des niches monumentales peintes à l'arrière-plan, met clairement en évidence la touche du grand Maestro. Alors que Michel-Ange n'a que 14 ans, Ghirlandaio l'invite brièvement dans son atelier. Ce lien s'est avéré essentiel pour Michelangelo tout au long de son parcours artistique, influençant ses peintures de panneaux et ses fresques, en particulier pendant les années qu'il a consacrées à la chapelle Sixtine (1504-08).

Le mur de droite

Cette nouvelle salle offre aux visiteurs la possibilité d'apprécier trois vastes retables disposés élégamment autour du modèle en plâtre de Giambologna. Depuis décembre 2013, le côté droit de cet espace accueille le magnifique panneau du Pérugin illustrant l'Assomption de la Vierge (1500), accompagné de la Résurrection de Raffaellino del Garbo et de la Déposition de Filippino Lippi (1504-08).

Le panneau central, qui compte parmi les œuvres les plus remarquables de Pietro Perugino, a été commandé en 1500 par les moines de l'abbaye de Vallombrosa pour le maître-autel de l'église. La signature "PETRVS PERVGINVS PINXIT A.D. MCCCCC" est clairement indiquée au niveau le plus bas Le thème principal représente l'Assomption de la Vierge Marie, entourée d'une célébration d'anges qui chantent et jouent de divers instruments, dont des harpes, des violons et des guitares, le tout sur fond de draperies douces et colorées. Sous cette représentation principale, le Pérugin a représenté quatre saints associés à la dévotion des moines camaldule. Notamment, à l'extrême droite, on peut voir l'élégant saint Michel Archange, paré d'une armure opulente et chatoyante. En examinant de près le panneau par le bas, on distingue les contours des longues poutres de bois qui soutiennent le grand panneau de bois. Le tableau a été encadré dans une structure complexe comprenant une prédelle et deux portraits des moines de Vallombrosa, l'assemblage final ayant été achevé en décembre 2013.

À gauche de l'Assomption, la douce allure des rubans roses de la Déposition de Filippino attirera votre attention. Ce panneau, commencé par Filippino Lippi en 1504 et achevé par le Pérugin après le décès de Lippi, était à l'origine exposé dans l'église de la Santissima Annunziata à Florence. Le Pérugin a achevé toute la partie inférieure du tableau en 1507. Les différences stylistiques entre les deux niveaux créent un sentiment de séparation. La partie supérieure montre l'exploration caractéristique de Filippino du mouvement, avec de nombreuses figures en équilibre précaire autour de la croix, accompagnées de rubans flottants.

Sans la fermeture temporaire et le déplacement ultérieur des œuvres, il n'aurait pas été possible de procéder à un examen approfondi de l'environnement et de se documenter sur l'état de conservation des pièces. Le musée a également profité de cette période pour planifier des travaux d'entretien et de restauration spécifiques, axés sur la conservation, lorsque cela s'avérait nécessaire. En effet, celles-ci ont dû être réalisées par des restaurateurs experts travaillant dans le cadre d'un plan d'action d'entretien élaboré et coordonné par Eleonora Pucci, restauratrice en chef de la Galerie de l'Accademia. Trois œuvres ont dû être conservées en raison de leur taille et de leur fragilité : le groupe sculptural du Viol des Sabines, le grand retable de l'Assomption de la Vierge de Pietro Perugino et la Dispute des Pères de l'Église sur l'Immaculée Conception de Giovanni Antonio Sogliani ; elles ont été protégées par des structures conçues sur mesure. Toutes les autres œuvres ont été mises en sécurité et déplacées dans des espaces où se tiennent des expositions temporaires, mais de manière à ce que le public puisse continuer à les voir. Ainsi, malgré la fermeture, l'accès aux œuvres d'art n'a pas été entravé.

Outre les interventions de dépoussiérage, certains panneaux de valeur, caractérisés par leur état de conservation fragile et leurs petites dimensions, ont été protégés par une vitre d'exposition qui passe inaperçue à l'œil nu. Ce verre éloigne efficacement les agents climatiques externes de l'œuvre d'art, ce qui évite toute altération de la surface picturale et tout endommagement du support. Parmi les œuvres en cours de restauration, l'attention se porte explicitement sur la Résurrection du Christ de Raffaellino del Garbo avec un grand cadre en bois, qui est récemment revenu en possession du musée, et sur la tempera su tavola di Giovan Francesco da Rimini raffigurante San Vincenzo Ferrer

Les cadres dorés ont également fait l'objet d'une attention particulière et trois d'entre eux ont été restaurés après une évaluation adéquate de leur état de conservation et des problèmes qui y sont liés. Il s'agit du cadre de la Vierge de la mer de Sandro Botticelli, du cadre rond de la Vierge à l'enfant avec saint Joseph et saint Jean de Franciabigio et de celui qui complète l'Adoration de l'enfant avec deux anges et saint Joseph de Lorenzo di Credi. Les mesures de restauration prises spécifiquement pour répondre aux besoins de conservation comprenaient le nettoyage pour obtenir une surface uniforme, la consolidation de la pellicule dorée et des éléments en creux, des réparations mineures du plâtre et l'intégration de la feuille d'or là où les techniques liées à la dorure d'origine étaient nécessaires, dans la mesure du possible, conformément aux lignes directrices de gestion du musée.

En ce qui concerne les travaux structurels dirigés par l'architecte Claudia Gerola, le projet a commencé par la restauration et le renforcement des fermes en bois de la salle. Au cours de cette phase, des modifications et des remplacements ont été apportés aux systèmes existants, notamment les systèmes spécialisés de détection d'incendie anti-intrusion, les systèmes électriques et mécaniques ainsi que l'unité de traitement de l'air (UTA). Il a également été procédé à l'élimination des accumulations d'eau qui avaient auparavant provoqué des infiltrations notables dans le hall inférieur, ainsi qu'à l'enlèvement de deux couches de plâtre mobile de la voûte. Après avoir terminé les tâches technologiques et architecturales, les travaux de révision du système électrique et des systèmes d'urgence ont précédé la mise en place d'un nouvel aménagement. Des panneaux recouverts de tissu ont été appliqués sur les murs et peints par la suite, l'agencement des travaux se faisant selon une nouvelle conception supervisée par le directeur Hollberg. Le nouveau système d'éclairage a été installé dans les murs d'enceinte et dans la partie centrale de la voûte. Comme dans le reste du musée, la technologie LED ultramoderne a été utilisée pour améliorer la visibilité des œuvres tout en garantissant des économies d'énergie.