수감자 홀

19세기에는 다양한 컬렉션에서 수집된 고대 작품들을 전시하는 갤러리로 사용되었으며, 미켈란젤로의 조각품들이 자리 잡을 수 있게 된 트리부네에서 끝을 맺었습니다. 이로 인해 트리부네의 중심부에 다비드가 돔 형태의 후광 아래에 배치된 곳에서 끝나는 통일된 경로가 형성되었습니다.

이 홀의 이름은 이 네 개의 인상적인 남성 누드 조각상에서 유래했으며, 흔히 '노예들', '수감자들', 또는 '포로들'로 불립니다. 이 작품들은 미켈란젤로가 교황 줄리오 2세 데라 로베레를 위한 거대한 무덤 프로젝트를 위해 직접 시작했습니다. 원래 의뢰는 1505년에 이루어졌으며, 시스티나 성당 작업이 1508년에 시작되기 전입니다. 이 무덤은 기독교 역사상 가장 화려한 무덤으로 계획되었으며, 40개 이상의 인물이 포함될 예정이었습니다. 네 명의 포로 조각상은 원래 로마의 옛 성 베드로 대성당 중앙에 세워질 거대한 독립형 무덤의 하부 기둥에 설치될 예정이었습니다.

미켈란젤로는 이 작업에 수개월을 투자해 카라라 석회암 광산에서 최상의 품질의 대리석을 찾아냈습니다. 그는 자신이 적합하다고 판단한 각 블록을 직접 선택해 세 개의 원으로 표시했습니다. 그러나 1506년 교황 줄리오 2세가 이 거대한 작품의 비용을 지급할 자금이 부족해지자, 미켈란젤로는 작업을 중단했습니다. 이 작품은 로마 재건 등 다른 작업에도 방해가 되었기 때문입니다

교황이 1513년에 사망한 후, 첫 번째 디자인은 규모를 축소해 덜 화려한 형태로 변경되었고, 1521년과 1534년에 추가로 수정되었습니다. 1534년에는 수감자들을 프로젝트에서 제외하고 플로렌스로 돌려보내기로 결정되었습니다.

이제 40년 가까운 긴 세월과 혼란의 끝에 '무덤의 비극'은 마침내 종결되었습니다. 이 기간 동안 미켈란젤로는 줄리어스 2세(Julius II)의 무덤을 위해 가장 유명한 조각품 중 일부를 제작했습니다. 그 중에는 모세(Moses, 약 1515년)와 현재 규모가 크게 축소된 장례 기념비가 포함되며, 이 기념비는 로마의 잘 알려지지 않은 성 베드로 교회(San Pietro in Vincoli)에 서 있습니다. 미켈란젤로는 구약과 신약의 인물들로 방을 장식하고, 예술과 덕이 악을 이기는 상징적인 표현을 포함한 무덤을 계획했습니다. 그에 따르면, 그의 '포로들'은 육체에 갇힌 영혼을 상징하며, 인간의 약점에 의해 노예화된 상태를 의미했습니다.

예술가의 사망 후, 그의 스튜디오에서 포로 4점이 발견되었고, 그의 조카는 이 작품들과 현재 팔라초 베키오에 있는 '승리'를 함께 코시모 1세 데 메디치 공작에게 헌정했습니다. 이 동굴은 1586년 베르나르도 부오탈렌티에 의해 보볼리 정원의 광대한 '안운시온 동굴' 모퉁이에 조각상으로 장식되었으며, 이 동굴은 거대한 정원을 배경으로 합니다 팔라초 피티(Palazzo Pitti)를 배경으로 위치한 빈첸초(Vincenzo)의 인간형 조각이 벽에 있으며, 인공적인 석순과 석주, 돌과 해조류, 조개껍질 배열이 인간형 조각 앞에 장식되어 있습니다. 이 동굴의 구성 요소는 미켈란젤로의 디자인 일부였습니다. 노예들은 1908년까지 그곳에 머물렀다가 아카데미아 미술관(Galleria dell'Accademia)으로 옮겨졌습니다.

특히 유명한 네 개의 조각상은 학자들 사이에서 "깨어나는 노예", "젊은 노예", "수염 난 노예" 및 "아틀라스(또는 묶인)"로 알려져 있습니다. 이는 조각들이 미완성 상태이기 때문입니다. 이 조각상들은 미켈란젤로의 작업 기법인 '논-피니토(non-finito)'의 전형적인 예시이며, 동시에 예술가가 대리석 블록에서 형상을 추출하는 과정에서 직면하는 어려움과 인류가 물리적 한계를 넘어 정신을 해방하려는 열망을 표현한 놀라운 사례입니다.

이 조각상들에 대한 다양한 해석이 존재합니다. 완성 단계에 따라 창의적인 아이디어가 물질의 무게와 구속에서 벗어나 자유를 향해 투쟁하는 힘이 느껴집니다. 예술가가 이 보편적인 조건—개인이 물질적 제약에서 벗어나기 위해 투쟁하는 상태—을 표현하기 위해 의도적으로 미완성으로 남겨두었을 가능성이 있습니다.

《Prisoners》를 다양한 각도에서 관찰할 때, 미켈란젤로의 해부학에 대한 깊은 이해와 감정이 드러납니다. 머리와 얼굴은 이 조각상에서 가장 덜 완성된 부분이지만, 자세를 통해 기본적인 의미를 잘 전달합니다. 특히 고전적인 '콘트라포스토' 자세가 이를 강조합니다. 노예들은 몸의 무게를 한쪽 발에 실어 어깨가 골반과 다리 쪽으로 기울어지며, 이로 인해 몸의 한쪽이 다른 쪽과 명확히 대립하는 자세를 취합니다. 이처럼 신중하게 불균형하게 구성된 인물들에게 움직임과 감정이 능숙하게 부여되며, 예술가의 이러한 처리로 인해 그들은 '수감자'로서 더 역동적이고 강렬한 존재감을 얻게 됩니다.

아카데미아에 있는 미켈란젤로의 미완성 조각품들은 그의 조각 철학과 기술을 명확히 보여주는 적절한 예시입니다. 그에 따르면, 조각가는 신의 도구일 뿐이었습니다. 따라서 그의 역할은 창조하는 것이 아니라 대리석 속에 숨겨진 강력한 형태를 드러내는 것이었습니다. 조각품 주변의 재료는 미켈란젤로가 제거해야 할 것이었습니다. 그의 작업은 단순히 그 형태 주변의 바위를 잘라내는 것이었으며, 그렇게 함으로써 그 형태가 적절히 드러나도록 하는 것이었습니다.

바사리(Vasari)는 그가 수일간 신발을 벗지 않았으며, 작업 중에는 같은 옷을 입었다고 기록했습니다. 이는 효율성뿐 아니라 기술과 경험 때문이었습니다. 만약 자신이 무엇을 하는지 알고 있다면, 먼지로부터 깨끗한 흰 대리석을 유지하는 것은 어렵지 않기 때문입니다(겨울에는 실용적으로 추웠을 것입니다).

실제로 초기 단계는 망치와 날카로운 끌로 남긴 흔적이 이 시기의 대리석 표면에 명확히 드러나기 때문에 구분됩니다. 미켈란젤로는 다른 조각가들이 석고 모형을 만든 후 블록에 윤곽을 그리는 것과 달리, 자유롭게 작업하며 인물의 뒷면부터 시작했습니다. 플라스터 모델(종이에 그림을 그리는 것조차)과 무관하게, 미켈란젤로는 원석 그대로의 대리석으로 바로 작업했습니다. 그는 3차원을 자유롭게 구상하며, 세부 작업으로 들어가기 전에 형태의 대부분을 먼저 다듬었고, 해부학적 구조와 전체적인 형태를 동시에 발전시켜 나갔습니다. 이로 인해 모든 부분이 마지막 터치까지 신선하게 작업된 기술이 드러납니다.

바사리가 《예술가들의 생애》에서 묘사한 대로, 이 조각들은 대리석에서 "물 표면으로 떠오르는 형태처럼" 서 있는 것처럼 보였습니다. 그의 방법은 왁스 인형을 물이 든 용기에 넣고 점차 노출시켜 가장 멀리 튀어나온 부분을 식별하는 것이었습니다. 그는 자신에게도 같은 방법을 적용해 가장 높은 부조 부분을 먼저 추출했습니다.

1503년, 미켈란젤로는 플로렌스 대성당에 12사도의 조각상을 제작하는 의뢰를 받았습니다. 그러나 그는 단 한 작품인 성 마태오의 조각에만 착수했습니다. 그가 작업을 시작한 직후, 줄리어스 2세에 의해 로마로 소환되어 이 작품은 그의 첫 미완성 조각품이 되었습니다.

1505년 12월 18일 12사도 조각상 계약이 취소된 후, 미켈란젤로는 다음 해에 성 마태오 조각 작업에 다시 착수했을 가능성이 높습니다. 동시대의 편지 기록과 이 시기의 특징적인 스타일적 요소는 이러한 가설을 뒷받침합니다. 성인의 머리의 회전과 가슴의 위치가 대조되는 점은 1506년에 발굴된 헬레니즘 시대의 조각군 '라오콘과 그의 아들들'에서 영감을 받은 것으로 보입니다. 미켈란젤로는 그 해에 이 작품을 높이 평가했습니다.

기단부의 기록에 따르면, 이 조각상은 1831년에 피렌체 두오모의 오페라 광장에서 아카데미아 디 벨레 아르티 아트리움 앞 위치로 옮겨졌습니다. 이후 1909년에는 이 갤러리 건물 옆으로 이동했으며, 같은 해에 《수감자들》도 함께 옮겨졌습니다.